GENTE: Alec Whaite. El perfil que redefine el alcance del actor venezolano en Europa

Tras triunfar en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián, el actor venezolano integra el elenco de El Castillo, la ambiciosa serie de Movistar Plus+ que conquista a la crítica internacional.

Hay carreras que se construyen con prisa, y hay trayectorias que se forjan con la templanza de la excelencia. La de Alec Whaite pertenece, sin duda, a esta última estirpe. Actor venezolano, con operaciones entre Madrid y Los Ángeles, Whaite se ha consolidado como un embajador del rigor interpretativo y en un motivo de profundo orgullo nacional, demostrando que el talento nacido en Venezuela no tiene fronteras cuando se sostiene sobre una formación impecable y una versatilidad sin complejos.

Su salto definitivo hacia la cima de la ficción premium europea se reafirma con un hito histórico: la esperada serie El Castillo, la nueva producción original de Movistar Plus+, producida en alianza con las prestigiosas firmas Caballo Films (liderada por el galardonado Rodrigo Sorogoyen) y Mafalda Entertainment. Inspirada en la célebre obra de investigación El proxeneta de Mabel Lozano, la serie explora los entresijos del auge del proxenetismo en España.

Tras su reciente paso por el Festival Internacional de Cine de San Sebastián —el certamen más longevo, influyente y prestigioso de habla hispana—, El Castillo fue recibida con una ovación sostenida y aplausos de pie por parte del público y la prensa especializada. El impacto de su estreno mundial fue celebrado por la prestigiosa revista norteamericana Variety, la cual catalogó a la serie como la gran revelación del certamen: «¿La nueva ficción española más cálidamente aplaudida?» («The most warmly applauded of new Spanish fictions?»), comparando la fuerza de su debut con hitos anteriores del festival como La Mesías y Querer. Asimismo, Variety elogió la solidez narrativa del proyecto escrito por Isabel Peña y Eduardo Villanueva, destacando su crudo hiperrealismo: «Con matices en sus personajes y narrada con una sordidez reveladora, esta es una serie que cuenta las cosas tal como fueron».

De cara a su esperado estreno en pantallas el próximo 8 de octubre de 2026, El Castillo reúne a la cúspide del cine ibérico bajo la dirección de la nominada al Goya Elena Martín Gimeno (Creatura) y Sandra Romero. En este imponente ecosistema, Alec Whaite encarna con determinación a uno de los personajes clave de la trama, compartiendo créditos con referentes de la actuación como Raúl Arévalo, Valentina Vidal, Omar Ayuso y Laia Marull.

Auténtico legado de talento hispano

El público internacional comenzó a seguir sus pasos tras su inolvidable papel protagónico en el emblemático largometraje venezolano La Distancia más Larga (2014), donde compartió pantalla con la legendaria Carme Elías bajo la dirección de Claudia Pinto Emperador. La cinta no solo cosechó el Premio Platino a la Mejor Ópera Prima Iberoamericana y una histórica nominación a los Premios Goya a la Mejor Película Iberoamericana, sino que inmortalizó la capacidad de Alec para conmover a audiencias globales con una entrega visceral e íntima.

Esa versatilidad para transitar con absoluta naturalidad entre el español y el inglés le ha abierto las puertas en Hollywood y Europa, participando en títulos internacionales como Kosta: The Paradise, Shadow Wolves y Escaping My Ex-Husband. Pero su dominio del oficio va mucho más allá de la cámara: en el teatro, ha dejado una huella imborrable al enfrentarse con éxito a clásicos de la talla de Esperando a Godot, The History Boys y Romeo & Julieta, dirigidos por Milton Justice, ganador del Premio Oscar de la Academia. Asimismo, demostró su genialidad cómica al protagonizar la exitosa gira sold out por toda España de Campeones de la Comedia (2022/2023), dirigida por David Ottone (Yllana) y producida por referentes del cine español como Javier Fesser y Luis Manso.

Esta solidez escénica es el fruto de una disciplina inquebrantable. Whaite ostenta el hito de haber sido el primer venezolano aceptado en la mítica Royal Central School of Speech & Drama de Londres, formación que perfeccionó posteriormente en la prestigiosa Stella Adler Academy of Acting de Hollywood, logrando un equilibrio perfecto entre la precisión técnica europea y el método interpretativo norteamericano.

Incluso en la cultura popular global, su magnetismo en pantalla ha quedado registrado en videoclips icónicos para leyendas y gigantes de la música como Maná (“La Prisión”), Caramelos de Cianuro (“Verano”), CNCO (“De Cero”) y Natti Natasha (“Pa’ Mala Yo”), sumando más de 200 millones de reproducciones a nivel mundial.

Alec Whaite no solo interpreta: trasciende. En una industria que demanda constante reinvención, Alec Whaite demuestra que el talento venezolano no tiene techo cuando se respalda con disciplina y audacia. Su camino, trazado entre escenarios de Venezuela, Londres, Hollywood y Madrid, continúa elevando el cine y la televisión de habla hispana hacia horizontes de distinción global.

Fuente. Licda. Greisy Mena

Prensa y RR.PP

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CINE VENEZOLANO: Desde el 15_LUIS FERNÁNDEZ Y MIMÍ LAZO DESAFÍAN EL CINE NACIONAL CON EL REVELADOR ESTRENO DE "EL NUEVO PEZ QUE FUMA"

La cinta elegida por la Academia Venezolana de Cine para representar al país en la categoría de Mejor Película Iberoamericana en los prestigiosos Premios Goya llega a las salas comerciales. Inspirada en la inolvidable obra maestra de Román Chalbaud, la esperada producción cinematográfica redefine el clásico en una fascinante propuesta. Las salas de cine a nivel nacional recibirán este gran acontecimiento cinematográfico a partir del próximo jueves 15 de octubre.

El próximo jueves 15 de octubre, las pantallas de cine del país se vestirán de gala para el esperado estreno comercial de "EL NUEVO PEZ QUE FUMA", la ambiciosa y cautivadora propuesta cinematográfica dirigida por Luis Fernández y protagonizada por la primera actriz Mimí Lazo. Respaldada por su reciente designación como la representante oficial de Venezuela a los Premios Goya en la categoría de Mejor Película Iberoamericana, la cinta llega respaldada por el reconocimiento de la industria nacional como un audaz ejercicio de meta-ficción autobiográfica sobre el deseo, el poder y la delgada línea entre el arte y la vida real.

En 1976, una joven actriz inicia su carrera participando en la emblemática cinta El Pez que Fuma. Las repercusiones de desnudarse en pantalla marcan su destino para siempre. Décadas más tarde, la oportunidad de encarar el remake de dicha obra parece ser la redención profesional que tanto anhelaba. Sin embargo, al embarcarse en la filmación, su vida personal comienza a replicar implacablemente el peligroso triángulo pasional que interpreta en la pantalla, arrastrándola a un desenlace tan inesperado como deslumbrante.

Paralelamente, la ficción revive el intrigante universo de La Garza, quien reina en el corazón del célebre prostíbulo. Ante la inminente decadencia de Dimas, su protector y amante, la llegada de un joven ambicioso desata un juego de lealtades, traición y ambición donde deberá decidir si comparte su corona… o si se atreve a gobernar sola en un entorno devorado por la violencia.

Elenco de lujo y proyección internacional

Bajo la cuidada visión del realizador Luis Fernández, en una provocadora y magnética puesta de cine dentro del cine, el largometraje ofrece una magistral interpretación de Mimí Lazo en el rol de La Garza, acompañada por el magnetismo del cotizado actor español Fran Berenguer (Jairo) y el reconocido Jorge Reyes encarnando a Dimas.

El talentoso reparto se complementa con destacadas figuras como Claudia Rojas, Rafael Romero, Karina Velázquez, Alejandra Sandoval, Carlota Sosa, Francis Rueda, Angélica Vitanza, Antonio Cuevas y Andrés Lazo. Asimismo, la obra rinde tributo al cine y la televisión de nuestro país con las actuaciones especiales de las leyendas Estelita Del Llano, Hugo Carregal y José Torres.

El impecable nivel técnico de la propuesta reafirma su estándar competitivo para la contienda internacional:

● Dirección de Fotografía: Antonio García

● Montaje: Nerea Mugüerza

● Cámara: José Antonio Varela

● Diseño de Producción: Luis Fernández | Dirección de Arte: Angélica Burgos Colls

● Diseño de Vestuario: Gabriela Martínez

● Música Original: José Cuesta y Rocío Morera

● Participaciones Musicales: Mona Caló de Los Melódicos, la cantautora Paola y Alfredo Naranjo y El Guajeo.

Esta coproducción de alto nivel es llevada a cabo por Broadway en Español Films, 8SML Producciones, El Sueño Eterno (España), Divarte Cine y David De Lima Producciones, en asociación con Producciones Etiopía y el Circuito Gran Cine. Bajo el liderazgo de sus productores —Mimí Lazo, Luis Fernández, Patricia González, Enrique Fernández, José Antonio Varela y David De Lima—, la película se consolida como el evento cultural más relevante del año.

¡La cita es en las salas de cine!

"EL NUEVO PEZ QUE FUMA" no solo celebra un legado fundamental del cine venezolano, sino que trasciende fronteras llevando nuestra cinematografía a la mayor vitrina del cine en español. Una historia intensa, pasional e imperdible que el público podrá disfrutar en pantalla gigante a partir del 15 de octubre. ¡Acompáñanos y disfruta del cine nacional! Adquiere tus entradas ya en preventa.

Redes Sociales: @ElPezFilm / @MimiLazod / @LuisFernandez14 / @fran_berenguer / @reyesjorgel

Fuente: Licda. Greisy Mena @greisymenaoficial

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ESPECIAL: ¡ Prohibido Usar Amarillo! por Juan Carlos Duque

Duque presentó oficialmente el podcast del Centro Cultural Chacao , que bautizó como “Prohibido Usar Amarillo” , bajo su conducción, dedicado a conocer a grandes artistas del teatro, sus vivencias, anécdotas, pero sobre todo sus creencias y rituales. Mediante conversaciones amenas, divertidas, y a veces profundas, para promocionar las obras y espectáculos que se exhiben en este centro cultural.

El presentador afirmó que ya tiene planificada la primera temporada del espacio, en el que hemos podido ver episodios protagonizados por artistas como: Mimí Lazo, Anna Beatriz Osorio, María Antonieta Duque, Vanessa Senior y Alexandra Braun.

Síganlo en You Tube: Prohibido Usar Amarillo y en Instagram: @amarillo.podcast

Fuente. Licda. Acela Santamaría

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EVENTO: Del 17 al 26 Nov_Centro Culltural Chacao sede de la tercera edición del Festival de Nuevos Dramaturgos “Javier Moreno”

El Centro Cultural Chacao y Cultura Chacao fungirán como sedes de la tercera edición del Festival de Nuevos Dramaturgos “Javier Moreno”, entre el 17 y el 26 de noviembre, congregando a noveles escritores, que participarán mediante lecturas dramatizadas.

El festival cuenta con la participación de los estudiantes y profesores de esta escuela, y el jurado lo conforman destacadas personalidades del ámbito teatral y cultural en general.

Por otra parte, se dio a conocer que los alumnos de esta segunda cohorte del Estudio de Artes Escénicas , protagonizarán lecturas dramatizadas de tres obras francesas dirigidas por sus profesores , como parte de las actividades académicas del Festival de Artes Escénicas Franco - Venezolano , en su 6° edición, que comienza el 16 de octubre.

Las obras seleccionadas son: “El Estado de Sitio” de Albert Camus, bajo la Dirección de Xiomara Moreno ; “A Puerta Cerrada” de Jean Paul Sartre que dirigirá Williams Blanco y “Severa Vigilancia” de Jean Genet, con la dirección de Javier Vidal .

Una grata sorpresa constituyó el anuncio acerca del montaje final del Estudio de Artes Escénicas , que será una adaptación de “Romeo y Julieta” de William Shakespeare , en el mes de enero de 2027, escrita y dirigida por Juan Carlos Duque.

Fuente: Licda. Acela Santamaría

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BALLET: El 17 y 18_El Ballet del Teatro Teresa Carreño une la tradición académica y el lenguaje contemporáneo en la Gala “Academicismo y modernidad”

Un tributo escénico a la maestra Adriana Estrada reunirá el virtuosismo clásico de Marius Petipa, el sello inconfundible de Vicente Nebrada y el estreno mundial de “Ánima” de la coreógrafa venezolana Inés Rojas, junto a la música en vivo de la Orquesta Sinfónica Francisco de Miranda y Odila TC, que tendrá lugar el 17 y 18 de octubre en la Sala Ríos Reyna del Teatro Teresa Carreño.

El epicentro cultural de Venezuela se prepara para abrir el imponente telón de la Sala RíosReyna en una cita donde la historia, la técnica pura y la invocación de la memoria convergen. La Gala de ballet “Academicismo y modernidad”, en memoria de la querida maestra y repertorista Adriana Estrada, representa la permanencia y evolución del Ballet del Teatro Teresa Carreño.

El programa articula un arco histórico de impecable repertorio que iniciará con el exigente Adagio de la Rosa, perteneciente al gran tradicional clásico del academicismo La Bella Durmiente (Marius Petipa / Pyotr Ilyich Tchaikovsky), prueba de fuego donde el equilibrio, el control del eje y la suspensión académica de la ballerina desafían la gravedad.

El recorrido continuará con la genialidad neoclásica del maestro Vicente Nebrada a través de las reposiciones de sus celebrados títulos Nuestros Valses, con motivo de conmemorarse el 50 aniversario de su estreno mundial, creada sobre la evocativa música de Teresa Carreño y otros notables compositores nacionales; Doble Corchea (Benjamín Britten), obra enblema del repertorio Nebrada; el expresivo pas de deux Elle et Lui (Franz Liszt); y la recreación escénica del ritual La luna y los hijos que tenía (Michael Kamen), todas creaciones donde el lirismo, el vertiginoso trabajo de pareja, la organcidad y la fluidez musical, constituyen la huella identitaria de la compañia de Ballet del Teatro Teresa Carreño.

El contrapunto de la cita lo marcará el estreno mundial de Ánima (Aram Khachaturian), contemporánea propuesta coreográfica de Inés Rojas que explora nuevas corporalidades e indaga en la dimensión interior del movimiento, dialogando de forma directa con la herencia académica del ensamble.

El despliegue sonoro de la gala estará a cargo de la Orquesta Sinfónica Francisco de Miranda, bajo la dirección de Daniel Gil, que también contará con la participación especial de la Orquesta de Instrumentos Latinoamericanos Odila Teresa Carreño.

Coordenadas

Lugar: Sala Ríos Reyna, Teatro Teresa Carreño.

Funciones: Sábado 17 de octubre – 4:00 p.m.  Domingo 18 de octubre – 11:00 a.m. y

4:00 p.m

Boletería: Disponibles en las taquillas del teatro y a través de Maketicket

Fuente: Promoción y Difusión Teatro Teresa Carreño

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ÓPERA: Desde el 10_La OSMC retoma el Festival OperOn con la presentación de “Suor Angelica” de Giacomo Puccini

La Orquesta Sinfónica Municipal de Caracas regresa con la segunda edición del Festival ÓperOn del 10 al 25 de octubre en dos espacios de escenarios de la ciudad. Como parte de esta producción que fusiona la tradición con la vanguardia, la institución presentará la ópera “Suor Angelica” de Giacomo Puccini, los días 10 y 11 de octubre en el mítico Teatro Nacional Román Chalbaud. Las entradas para este y los demás títulos del festival ya están disponibles a través de la página web oficial de la orquesta y en sus puntos de venta autorizados.

La Orquesta Sinfónica Municipal de Caracas (OSMC) retoma la agenda de la segunda edición del Festival ÓperOn, presentando el drama lírico “Suor Angelica” de Giacomo Puccini. Serán dos únicas funciones los días 10 y 11 de octubre en el mítico Teatro Nacional Román Chalbaud, reafirmando el propósito de la institución de llevar la lírica a diversos espacios de la ciudad.

Esta producción cuenta con la dirección musical del maestro invitado Omar Chacón, quien estará al frente de los músicos de la OSMC para abordar la compleja partitura. Por su parte, la dirección escénica está bajo el mundo de Deiby Fonseca, responsable de estructurar la propuesta visual y actoral que dará vida a esta obra en el auditorio universitario.

“Suor Angelica”, estrenada originalmente en 1918 como parte de Il trittico, es una pieza de un solo acto que requiere una alta exigencia técnica y emocional. La obra relata la vida de una joven que, tras un pasado marcado por el escándalo, es obligada por su familia a recluirse en un convento. La trama se centra en el encuentro con su tía, quien le comunica noticias definitivas sobre su familia y su hijo, desencadenando el clímax dramático de la pieza.

La obra “Suor Angelica” forma parte de la programación de la segunda edición del Festival ÓperOn, acompañada por “Carmen Ensayo sobre el destino” (Bizet) con la adaptación de Shchedrin, “The Medium” (Menotti) y “Rigoletto” (Verdi). Así, la OSMC se propone preservar y promover el género, fusionando piezas clásicas con elementos innovadores.

La OSMC extiende la invitación al público a participar en estas funciones, que representan una oportunidad para acceder al repertorio operístico universal bajo estándares de producción contemporáneos.

Las entradas para las presentaciones del 10 y 11 de octubre ya se encuentran disponibles para la adquisición del público a través de la página web oficial del festival https://operon.lamunicipaldecaracas.org/ Asimismo, el público podrá adquirir sus entradas en la taquilla habilitada en el Centro Cultural Monte Sacro. La institución invita al público a asistir a estas funciones y formar parte de esta propuesta de innovación lírica. Únete a nuestra comunidad en Instagram, Facebook y YouTube para no perderte ningún detalle de la Temporada 2026.

Instagram: https://www.instagram.com/orquestamunicipaldecaracas/ / https://www.instagram.com/operon.fest?utm_source=ig_web_button_share_sheet&igsh=ZDNlZDc0MzIxNw==

YouTube: https://www.youtube.com/@orquestasinfonicamunicipal2159.

WhatsApp: https://whatsapp.com/channel/0029VasEemFISTkBmyXdbr1w

Fuente. Licdo. Rafael Barazarte

Prensa OSMC 

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FASHION: Más de 200 aspirantes acudieron al llamado del Casting para el gran desfile de Giovanni Scutaro

Desde las instalaciones del Tolón Fashion Mall, se llevó a cabo el casting convocado por la agencia Garbo and Class para el desfile del afamado Giovanni Scutaro, que contó con el patrocinio de Empresas Polar, donde sobrepasaron las expectativas, ya que acudieron más de 200 aspirantes entre damas y caballeros, quienes fueron evaluados por un destacado y profesional jurado integrado por: el doctor Rubén Pérez Parra, Isabel Castañeda, Celeste Aldana, Jaqueline Aguilera y Osmariel Villalobos, quienes seleccionarán a los 100 modelos que desfilarán el próximo 17 de noviembre.

Scutaro destacó, la importancia de mostrar el profesionalismo que hay en Venezuela, “quisimos hacer un casting general para que participaran todos los talentos que puedan estar en mi gran desfile, que todos están acostumbrados a ver, y que todos tuvieran la oportunidad”. Los seleccionados serán notificados para su participación en la colección Otoño- Invierno 2026, enfocados en “un propósito más allá de la moda”.

La animación del evento estuvo a cargo de Dajo Martínez, la organización fue de la agencia Garbo and Class de la mano con Wilmer Rondón, gerente general de las tiendas Giovanni Scutaro y Carmen Montoya, directora de relaciones públicas.

Fuente. Licda. Carmen Montoya

Directora de Relaciones Públicas

Fotos. Cortesía Licda Egleen Barrios

EVENTO: Desde el 16_FESTIVAL FRANCO-VENEZOLANO IMPULSA LA CONVIVENCIA Y LOS ESPACIOS SEGUROS A TRAVÉS DEL ARTE

Más de 20 actividades entre funciones teatrales, circo, conciertos inmersivos y talleres integran la agenda de esta edición. El público podrá disfrutar de producciones internacionales de primer nivel y destacadas propuestas nacionales en recintos de Caracas y espacios comunitarios

Del 16 de octubre al 1° de noviembre de 2026, el público venezolano podrá disfrutar de la sexta edición del Festival de Artes Escénicas Franco-Venezolano, una cita cultural consolidada que promueve el diálogo y el intercambio creativo entre ambas naciones. Durante más de dos semanas, Caracas y La Guaira se convertirán en el escenario de una variada programación que reúne diez propuestas artísticas y catorce actividades académicas de carácter gratuito.

Bajo el eslogan “Escenarios, miradas, encuentros”, esta edición se concibe desde la mediación artística como una oportunidad para propiciar espacios seguros, diversos y plurales, en formatos convencionales y comunitarios, quefavorezcan la expresión, el intercambio de experiencias, la convivencia y el bienestar colectivo.

La representación internacional estará encabezada por tres renombradas compañías francesas que aportarán miradas de vanguardia en las artes del circo, la creación digital y la dramaturgia contemporánea. La inauguración oficial tendrá lugar el viernes 16 de octubre en el Centro Cultural Chacao con la presentación de Bakéké, un aclamado unipersonal de la compañía de Fabrizio Rosselli. A través del clown, el teatro físico y la manipulación de objetos, esta pieza muda y de ritmo desenfrenado sigue las peripecias de un personaje que intenta sortear los obstáculos cotidianos a fuerza de astucia e ingenio, ofreciendo dos funciones entre el viernes 16 y el sábado 17 de octubre.

La exploración musical y tecnológica llegará a la Sala Ríos Reyna del Teatro Teresa Carreño los días 24 y 25 de octubre de la mano de AnA Compagnie y su espectáculo audiovisual Ars Natura. Encabezado por la compositora Annabelle Playe en la electrónica en vivo y el artista Hugo Arcier en la concepción visual 3D audiorreactiva, este concierto inmersivo propone una reflexión estética sobre nuestra relación con el mundo vivo, construyendo una dramaturgia de carácter cinematográfico que abarca desde la música experimental hasta el ambient y e noise. El espectáculo contará con la participación especial del reconocido Dj venezolano Data.

Por su parte, la pedagógica y reflexiva propuesta de la Compagnie 13/31, dirigida por Lisa Guez, ofrecerá un espacio de laboratorio creativo que culminará el miércoles 21 de octubre en el Teatro Luis Peraza con la lectura dramatizada de Las mujeres de Barba Azul. Inspirada libremente en el clásico cuento de Charles Perrault, la obra reúne a la actriz Anne Knosp junto a participantes del taller formativo para abordar, con humor y firmeza, las dinámicas de poder, el deseo y la resistencia frente a los mecanismos de dominación en la sociedad contemporánea.

El talento nacional también ocupará un lugar protagónico gracias a la participación de ocho agrupaciones venezolanas de trayectoria. La danza contemporánea y de movimiento se desplegará en montajes como Camille & Milord, de la agrupación Dramo en el Teatro Trasnocho, un emotivo díptico dedicado a la escultora Camille Claudel y a la figura del apuntador teatral; la experiencia Sotavento de Carmen Ortiz en el Centro Cultural de Arte Moderno, que entrelaza literatura y tradiciones sonoras; y la pieza inmersiva An Nishí Nará de la compañía Coreoarte, en la Casona Ibarra de la UCV, un viaje a través de la memoria ancestral del Caribe.

La oferta teatral y familiar se complementa con la obra The Lulu Project, de Jeizer Ruiz, en Trasnocho Cultural; Tourbillon - Anatomía de una clase, de la Fundación LaBrecha, en el Teatro Luis Peraza; el clásico comunitario El circo más invisible del mundo, a cargo del Centro TET, en Catia la mar; así como las propuestas para todas las edades Payasos de madera de Marionetas La Carreta y El show del Payaso Lechuga, presente en recintos populares y alternativos.

En el ámbito académico, el festival desplegará una plataforma formativa completamente gratuita compuesta por 14 actividades diseñadas para abordar la formación artística, el diálogo y la inclusión. La oferta de talleres incluye Juego corporal y manipulación de objetos, impartido por Fabrizio Rosselli; el taller sobre el Proceso creativo de Las mujeres de Barba Azul, dictado por la Compagnie 13/31; una formación en Luthería electrónica con AnA Compagnie; el taller de performance Del lienzo al cuerpo: creación de performance artístico a través de la pintura, a cargo de Proyecto Inner; la propuesta de inclusión y teatro gestual Laboratorio cuerpos en diálogo: el silencio como puente, facilitada por la Fundación Jugar para Sanar; y el taller familiar Iniciación a la acrobacia y juegos teatrales para niños, liderado por el Payaso Lechuga. También se llevarán a cabo tres lecturas dramatizadas: El estado de sitio, de Albert Camus; A puerta cerrada, de Jean Paul Sartre y Severa vigilancia, de Jean Genet.

Esta agenda pedagógica se complementa con los conversatorios dedicados a AN NISHÍ NARÁ y La escena en Solo: Del Barro a la penumbra en Camille y Milord, así como el foro y la muestra didáctica centrados en Sotavento y la investigación dancística de Coreoarte, donde estará presente la coreógrafa haitianocanadiense Roxane D'Orléans Juste.

Toda la programación artística y académica se desplegará a lo largo de 10 recintos y espacios no convencionales: el Centro Cultural Chacao, el Teatro Teresa Carreño, el Teatro Trasnocho, el Teatro Luis Peraza (Centro TET), la Sede del Circo Nacional de Venezuela (Nuevo Circo de Caracas), el Parque Cultural Tiuna el Fuerte, el Centro Cultural de Arte Moderno (CCAM), la Casona Ibarra (Casa Cultural UCV), el Teatro La Alameda y la Mediateca de la Alianza Francesa de Caracas, sumando además un encuentro comunitario especial en Playa Verde, estado La Guaira.

Las entradas para los espectáculos seleccionados mantendrán costos accesibles entre $8 y $15, mientras que un importante bloque de funciones y la totalidad de los talleres serán de acceso gratuito para toda la comunidad.

Para conocer el cronograma detallado de horarios e inscripciones en la oferta académica, pueden ingresar a festivalfrancovenezolano.com y @festivalfrancovenezolano en todas las redes sociales.

Fuente. Licda. Adjani De La Villa

Agregada de prensa Embajada de Francia en Venezuela

Fotos. Cortesía Embajada

TEATRO: Desde el 09_FUNDACIÓN RAJATABLA rinde homenaje a CARLOS GIMÉNEZ y a los 90 años de la muerte LORCA con el estreno de LA MUERTE DE GARCÍA LORCA

En el marco de su 55° aniversario, la emblemática agrupación teatral venezolana rescata el texto de José Antonio Rial bajo la dirección de Marisol Martínez y con el respaldo de la Embajada de España en Venezuela. La obra se estrena este próximo 09 de octubre a las 6:00pm en la Sala Rajatabla. Más información @fundacionrajatabla

En el marco de la conmemoración de su 55° aniversario y al cumplirse 90 años de la trágica muerte de Federico García Lorca, la Fundación Rajatabla rinde un doble tributo histórico con el montaje de La muerte de García Lorca, obra original de José Antonio Rial, bajo la dirección escénica de Marisol Martínez y la producción general de Williams López.

La obra, cuyo montaje inicial fue emprendido por el grupo Rajatabla y su fundador Carlos Giménez en 1979, cobra nueva vida hoy. Este reencuentro con la memoria y la dramaturgia crítica busca entablar un diálogo urgente con el presente, reafirmando el papel del arte y de los artistas frente a un contexto global atravesado por conflictos bélicos, desarrollo tecnológico y globalización.

Patrocinada por la Embajada de España en Venezuela, esta propuesta escénica conmemora el legado del poeta universal de Granada al tiempo que confronta al espectador con la resistencia posible y la reflexión sobre el error imperdonable del crimen de odio, cuyas sombras y verdades aún resuenan en la historia universal. A través de esta pieza, Rajatabla le habla al país para recordar que, ante la intolerancia, la verdad y el arte siguen siendo indispensables.

"La muerte de García Lorca" de José Antonio Rial, es Dirigida por Marisol Martínez. Producida por @fundacionrajatabla Auspiciada por la Embajada de España en Venezuela. Cuenta con las actuaciones de: Luis Carlos Boffill, Aracelli Prieto, Sandra Moncada, Verónica León, Augusto Morales, César Núñez, Jorge Rivero, Josh Araujo, Kevin Genova, Luis Golding, Martín Añez, Martin Patric, Miguel Osio, Poleo Aloisi. Participación especial: Carlota Freychet.

El despliegue técnico está a cargo: Asist. de Dirección Glenda Medina. Iluminación: David Blanco. Dir. Tec: Eduardo Bolívar. Coreografía: Luis Vicente González. Dispositivo Escénico Marisol Martínez. Realizador: Pedro Rondón. Vestuario: Gabriela y Altagracia Martínez. Música original: Augusto Morales. Arreglos musicales y vocales: Miguel Osio. asistente de producción Arquímedes Díaz. Prod. de Campo: Laura Pérez. Producción Artística: Juan Villarroel. Producción General: William López.

La cita es a partir de este próximo 09 de octubre. Los días y horarios de las funciones son los viernes y sábado a las 6:00pm, y domingo 5:00pm. El precio de las entradas en general será de 8$, y para los estudiantes 5$ o su equivalente en Bolívares según la tasa del día indicada por el Banco Central de Venezuela. Las entradas se adquieren en la taquilla del teatro (Abierta una hora antes de cada función) y a través del Instagram @fundacionrajatabla donde también podrás consultar información sobre funciones y presentaciones y las distintas actividades que se realizan en la Fundación Rajatabla.

Fuente. Licdo. Rafael Barazarte

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PREMIO: Tomás Arturo Marín se alza con el legendario premio Isaac Chocrón a la dramaturgia

Tomás Arturo Marín, escritor, director, actor y fundador del grupo Fereteatro, fue galardonado este 27 de septiembre de 2026 con el prestigioso premio Isaac Chocrón, el más importante laurel de la dramaturgia venezolana, por su obra teatral "Guía para fabricar monstruos".

La ceremonia de premiación, llevada a cabo en los espacios del Trasnocho Cultural, en la ciudad de Caracas, estuvo a casa llena bajo el marco de la decimosegunda edición de los premios Isaac Chocrón, reconocimientos que honran la memoria del maestro y que son parte de la herencia cultural de uno de los escritores más insignes en la historia venezolana.

El evento, conducido con elegancia por el maestro Javier Vidal junto a la junta directiva de la fundación Isaac Chocrón, contó con la presencia de muchos de los nombres más destacados en el panorama actual del teatro venezolano.

"En una temporada llena de propuestas disímiles, la obra ganadora destaca por su capacidad de sumergirnos en el laberinto psicológico de los personajes, donde la tensión dramática no da tregua a cada silencio que arrastra a un clímax sobrecogedor. Un texto magnético, construido con una estructura circular galopante que sostiene un suspenso de principio a fin hasta derramar al espectador en su final". Con estas palabras, Javier Vidal, anfitrión del evento, anunció a la obra "Guía para fabricar monstruos", de Marín, como la triunfadora del certamen.

De esta manera, Tomás Arturo Marín inscribe su nombre entre los inmortales de la dramaturgia venezolana, junto a auténticos titanes de las letras escénicas como Elio Palencia, Gustavo Ott y Luigi Sciamanna.

Además de Marín, los otros galardonados en distintas categorías fueron:

Valentina Garrido como mejor actriz por la obra "La dama y el carnicero".

Kevin Jorges como mejor actor por la obra "Timón (off) Caracas".

Sinergia teatro como mejor producción por la obra "Hay que matar al anarquista".

Elio Palencia como mejor autoría escénica por la obra "Timón (off) Caracas".

Oriana Silva como investigadora teatral.

Y premio honorífico a la Fundación Rajatabla.

Fuente y fotos. Cortesía

LIBROS: THE UBER DIARY transforma las verdades manuscritas en un libro de conciencia

El archivo de Federico Galavis en Los Ángeles, creado antes de la pandemia, reúne reflexiones anónimas de pasajeros con obras realizadas mediante herramientas GAN tempranas y registra un momento en que la intimidad humana y la inteligencia artificial estaban a punto de cambiar radicalmente.

LOS ÁNGELES. En 2019, el artista de Los Ángeles Federico Galavis colocó un diario en blanco en el asiento trasero de su automóvil mientras conducía para Uber e invitó a los pasajeros a escribir cualquier cosa que quisieran dejar atrás. Algunos escribieron una frase. Otros llenaron páginas enteras.

Registraron amor, duelo, soledad, humor, miedo, fe, familia, identidad, supervivencia y esperanza. Lo que comenzó como un experimento de arte conceptual se convirtió en una cadena íntima de conciencia, una persona desconocida leyendo la verdad de otra y luego añadiendo la suya.

Cuando la identidad aparece después de las palabras

La humanidad del proyecto nace de una inversión sencilla. Los pasajeros encontraban primero las palabras y solo después la identidad de quien las había escrito. La raza, la religión, el género, la sexualidad, la clase, la política y la posición social no eran los primeros datos disponibles. Por un momento, los prejuicios heredados y aprendidos que tantas veces determinan una primera impresión podían quedar fuera de juego. La diferencia no desaparecía. El reconocimiento podía llegar antes que la clasificación-

Cada viaje se convirtió al mismo tiempo en un espejo y en una oportunidad para dejar algo atrás. Un pasajero podía descubrir un miedo privado reflejado en la escritura de otra persona u ofrecer una frase que un lector desconocido necesitaría horas o días después. Una plataforma tecnológica había creado cercanía física, pero el diario creó cercanía emocional. El automóvil dejó de ser solamente un vehículo que atravesaba Los Ángeles y se convirtió en un espacio común y temporal, un lugar donde los desconocidos podían hablar de alma a alma sin tener que defender ni explicar primero quiénes eran.

El arte casi perdido de escribir como flujo de conciencia

The Uber Diary también preserva el acto físico de escribir en una época en la que el lenguaje es cada vez más predicho, corregido, estructurado y generado para nosotros. Estas páginas no son declaraciones pulidas ni actuaciones para las redes sociales. Son flujos de conciencia hechos visibles. La presión, la vacilación, las palabras tachadas, las líneas irregulares, los dibujos, la ortografía imperfecta y los cambios repentinos de pensamiento permanecen sobre el papel. La mano registra la mente mientras se mueve en tiempo real.

Esa vulnerabilidad material importa. La escritura a mano contiene la presencia de un cuerpo, la velocidad del gesto, la pausa antes de una confesión y la insistencia de una palabra marcada con fuerza sobre el papel. En el diario, escribir no es solamente una manera de transmitir información. Es la evidencia de que alguien estuvo aquí, sintió algo profundamente y decidió entregárselo a otra persona.

Una cápsula del tiempo de cercanía humana y los inicios de la inteligencia artificial

El archivo nació en el umbral de la pandemia y capturó una de las últimas imágenes cotidianas de desconocidos compartiendo un mismo espacio antes de que el aislamiento colectivo transformara la vida diaria. Sus temas, la soledad, la pertenencia, el miedo, el amor, la memoria y el deseo de ser vistos, hoy resultan aún más urgentes. Vivimos tiempos tecnológicos acelerados, conectados de manera constante y cada vez más mediados, pero con frecuencia más aislados unos de otros. El diario pregunta qué clase de conexión sigue siendo posible cuando una página reemplaza a una pantalla y una respuesta no busca aprobación, alcance ni recompensa algorítmica.

La inteligencia artificial temprana como proceso dirigido por el artista

Más tarde, Galavis transformó entradas seleccionadas con su lenguaje visual y herramientas GAN tempranas. Los testimonios siguen siendo humanos. La inteligencia artificial no es su autora. Es otro pincel dentro de un proceso humano de selección, iteración, descarte, composición, color, distorsión y criterio pictórico. Antes de los actuales modelos de lenguaje de gran escala y sistemas multimodales, el proceso era más lento, menos predecible y dependía visiblemente de la mano del artista.

Las obras responden emocionalmente y no ilustran de manera literal. Página e imagen preservan la escritura íntima antes de una mayor automatización del lenguaje y la creación visual con inteligencia artificial antes de que los modelos actuales transformaran su velocidad y escala.

De un viaje privado a un archivo humano público

La campaña de Kickstarter financiará el primer libro de arte de mesa de The Uber Diary en edición limitada. Reunirá páginas anónimas con las respuestas visuales de Galavis creadas mediante herramientas GAN. Como objeto artístico y archivo social, conecta a personas que quizá nunca se conozcan a través de aquello que revelaron. El apoyo que supere la meta inicial comenzará a hacer posibles elementos de una exposición inmersiva donde estas voces puedan verse, escucharse y sentirse juntas.

La tecnología no es la villana. Un viaje solicitado mediante una aplicación abrió espacio para un testimonio humano sin editar. La inteligencia artificial respondió sin reemplazarlo. El centro sigue siendo la persona que escribe, la persona que lee y el reconocimiento entre ambas.

Prólogo de Leon Logothetis

El libro incluye un prólogo de Leon Logothetis, creador de The Kindness Diaries en Netflix. Describe The Uber Diary como «un portal hacia la condición humana» y escribe sobre la necesidad universal de sentirnos vistos, escuchados y acogidos. Sus palabras sitúan el proyecto dentro de una práctica de empatía radical donde las verdades ocultas pueden salir a la luz.

Acerca de Federico Galavis

Federico Galavis es un artista venezolano estadounidense radicado en Los Ángeles. Su práctica abarca pintura, medios digitales, instalación, inteligencia artificial, código y blockchain. Marcada por la migración, la memoria, la pertenencia y la conexión humana, su obra se nutre del fauvismo, el cubismo y el expresionismo y se ha presentado internacionalmente. Galavis ha formado parte de la Comisión de Artes de Santa Mónica y de sus comités de Arte Público y Artes Mediáticas.

Nota editorial: Uber y las marcas relacionadas pertenecen a sus respectivos propietarios. The Uber Diary es un proyecto independiente de arte conceptual y no se presenta como respaldado por Uber salvo que se indique expresamente.

Fuente. Licda. Ana Teresa Delgado

Fotos. Cortes