CINE: LA ODISEA, la película de CHRISTOPHER NOLAN llega a las carteleras

La Odisea de Christopher Nolan es una épica película de acción mítica rodada por todo el mundo utilizando la novedosa tecnología cinematográfica IMAX®. La película lleva la saga fundacional de Homero a las pantallas de todo el mundo, siendo el primer largometraje de la historia rodado íntegramente con cámaras de cine IMAX®.

La Odisea es protagonizada por el ganador del Premio de la Academia® MATT DAMON (Good Will Hunting, The Martian) como Odiseo, rey de Ítaca; por el ganador del BAFTA TOM HOLLAND (Spider-Man series, Avengers: Endgame) como Telémaco, el hijo de Odiseo; la ganadora del Premio de la Academia® ANNE HATHAWAY (Les Misérables, The Dark Knight Rises) es Penélope, reina de Ítaca y esposa de Odiseo; ROBERT PATTINSON (The Batman, Good Time) es Antínoo, un pretendiente itacense de Penélope; la ganadora del Premio de la Academia® LUPITA NYONG’O (12 Years a Slave, Us) hace dos papeles, el de Helena de Troya, reina de Esparta, y el de su hermana gemela, Clitemnestra, reina de Micenas; la dos veces nominada al Premio de la Academia® SAMANTHA MORTON (In America, Sweet and Lowdown) es Circe, una bruja poderosa; el ganador del Emmy JOHN LEGUIZAMO (Moulin Rouge!, Romeo + Juliet) es Eumeo, un fiel sirviente de Odiseo; la ganadora del Emmy y del Globo de Oro ZENDAYA (Challengers, películas de Dune) es la diosa Atenea; el ganador del Premio de la Academia® CHARLIZE THERON (Mad Max: Fury Road, Monster) es Calipso, una ninfa inmortal.

JON BERNTHAL (The Bear, The Walking Dead) interpreta a Menelao, rey de Esparta y esposo de Helena de Troya; el actor nominado al Emmy HIMESH PATEL (Tenet, Yesterday) es Euríloco, el segundo al mando de la tripulación de Odiseo; el ganador del Premio Tony BILL IRWIN (Interstellar, Legion) interpreta al Cíclope, un gigante que tiene un sólo ojo; el nominado al Premio de la Academia® ELLIOT PAGE (Inception, Juno) es Sinón, un guerrero griego; el ganador del Emmy BENNY SAFDIE (Oppenheimer, Good Time) interpreta a Agamenón, rey de Micenas; el nominado al Emmy COREY HAWKINS (Straight Outta Compton, BlacKkKlansman) interpreta a Polybius, un pretendiente itacense; y MIA GOTH (Frankenstein, Pearl) es Melanto, una sirvienta de la reina Penélope.

La Odisea fue escrita para la pantalla y dirigida por CHRISTOPHER NOLAN, basada en La Odisea, de Homero. Es producida por EMMA THOMAS y CHRISTOPHER NOLAN a través de Syncopy, su compañía productora. El productor ejecutivo es THOMAS HAYSLIP.

El director de fotografía de la cinta es el ganador del Premio de la Academia® HOYTE VAN HOYTEMA, asc, fsf, nsc (Oppenheimer, Dunkirk); y la diseñadora de producción es la nominada al Premio de la Academia® RUTH DE JONG (Oppenheimer, Us). El vestuario fue diseñado por la nominada al Premio de la Academia® ELLEN MIROJNICK (Oppenheimer, The Greatest Showman); y el diseño de maquillaje lo realizó la nominada al Premio de la Academia® LUISA ABEL (Oppenheimer, Tenet). La diseñadora de peluquería es la nominada al Premio de la Academia® GLORIA CASNY (The Lone Ranger, Ford v. Ferrari).

La editora de esta cina es la ganadora del Premio de la Academia® JENNIFER LAME, ace (Oppenheimer, Tenet), y la música es del compositor ganador de tres Premios de la Academia® LUDWIG GÖRANSSON (Oppenheimer, Sinners). El supervisor de efectos visuales es el ganador del Premio de la Academia® ANDREW JACKSON (Oppenheimer, Tenet), y el supervisor de efectos especiales es el ganador de dos Premios de la Academia® SCOTT R. FISHER (Oppenheimer, Tenet).

Los coproductores son ANDY THOMPSON (Oppenheimer, Tenet) y HELEN MEDRANO (productora asociada en Oppenheimer, Tenet); y el casting estuvo a cargo de JOHN PAPSIDERA, csa (Oppenheimer, Tenet).

Las películas de Christopher Nolan, incluidas Oppenheimer, Tenet, Dunkirk, Interstellar, Inception y la trilogía de The Dark Knight, han recaudado más de $6 millardos de dólares en la taquilla a nivel mundial, y han sido galardonadas con 18 premios Óscar®, de 49 nominaciones. En 2023, Oppenheimer recaudó casi $1 millardo de dólares a nivel mundial y ganó siete Premios de la Academia®, incluyendo las categorías de mejor director y mejor película.

La historia

Del ganador del Premio de la Academia® Christopher Nolan, La Odisea lleva a la pantalla la epopeya heroica de Homero, una obra literaria considerada el texto fundacional de la cultura occidental. Rodada en seis países con un elenco estelar, la decimotercera película de Nolan hace realidad el sueño de muchos años de rodar una película íntegra con cámaras de cine IMAX, y representa su experiencia cinematográfica más envolvente y grandiosa hasta la fecha.

“Tu experiencia como cineasta influye en las decisiones que tomas de diversas maneras, incluyendo para qué te sientes preparado, para qué crees que tienes las habilidades necesarias y qué te ofrecerá un nuevo reto, y todo ello se basa en lo que has hecho previamente”, explica Christopher Nolan. “La Odisea es un trabajo increíble que es extremadamente importante para la historia del mundo y el desarrollo de la cultura, pero nunca ha sido adaptado como un blockbuster moderno. Me sentí motivado por el reto de crear el mundo mítico de la Antigua Grecia y me entusiasmaba la idea de contar su historia, con toda su riqueza temática, de una forma que nunca había visto antes”.

Un poema monumental de 12,109 versos atribuido a Homero, cuya propia existencia es objeto de debate entre los estudiosos actuales, La Odisea y su precuela igual de monumental titulada La Ilíada, se cree que fueron escritas en el siglo VIII a. C., aunque es muy probable que su lenguaje y su contenido hayan ido evolucionando a medida que generaciones de narradores orales las cantaban y volvían a cantar. Juntas, conforman un mito fantástico sobre el fin de la Edad del Bronce.

La Odisea es una saga única. Con una narración no lineal con numerosos flashbacks, tramas paralelas, historias dentro de historias y metacomentarios, el poema se articula en torno a dos figuras centrales: Odiseo de Ítaca, rey de una rocosa isla griega que gana la guerra para Agamenón con su emblemática estratagema, el caballo de Troya; y su hijo, el joven adulto Telémaco, quien era un niño cuando su padre partió hacia Troya. Mientras Odiseo emprende una etapa crucial de su viaje de regreso a casa, plagado de dioses y monstruos, tormentas y tragedias, Telémaco tiene la esperanza de que su padre, desaparecido hace tiempo, siga vivo en medio de una creciente crisis en Ítaca que lo amenaza a él y a su madre, Penélope: una manada de príncipes y nobles lobunos se ha instalado en el palacio familiar y está presionando a la reina para que renuncie a Odiseo, se vuelva a casar y nombre rey a uno de ellos.

En el centro de La Odisea se encuentran dos temas interconectados que expresan ideales y valores cruciales para la cultura de la Antigua Grecia. El primero es la xenia: (“amistad hacia el huésped”), la práctica de ofrecer una generosa hospitalidad a los forasteros. Conocido también como “la Ley de Zeus”, este código de conducta se consideraba un deber cívico y divino, y su incumplimiento, tanto de parte del anfitrión como del huésped, se consideraba vergonzoso e impío. Esa costumbre ayudó a Grecia a cultivar aliados y a construir una red de comercio. El segundo tema mayor, nostos (“regreso a casa”), se entendía como un viaje literal de vuelta y un proceso espiritual de renacimiento, en el que la búsqueda del hogar y de cualquiera de sus recompensas —el reencuentro con los seres queridos; la recuperación de títulos y riquezas perdidas; la forja de una identidad más madura y vital— requiere experimentos que ponen a prueba o remodelan el carácter.

“Ya sea el hilo conductor narrativo de Odiseo o los episodios concretos que conforman la totalidad de la epopeya, La Odisea sustenta casi todo el cine”, dice Nolan. “Sin duda está presente en todas las películas que he hecho, en un grado que nunca antes había percibido. Fue divertido descubrirlo cuando me adentré en el trabajo de adaptación”.

Al igual que muchas personas de su generación, Nolan primero encontró La Odisea en versión resumida durante sus años de estudio en la escuela primaria. Recuerda haber visto a los niños de los grados superiores representar una adaptación teatral; le cautivaron especialmente la historia del Caballo de Troya y los elementos abiertamente fantásticos del poema, como el Cíclope, un gigante con un sólo ojo; y las sirenas, unas ninfas que hacen que los marineros encallen al hechizarlos con su canto. “Para muchos de nosotros siempre está ahí, en el fondo de la mente”, señala Nolan. “Y está muy presente cuando encuentras elementos que han sido reinterpretados por historias modernas”.

“Sin duda, en épocas anteriores de Hollywood se han realizado obras increíbles e innovadoras en el ámbito de la mitología griega”, expresa Nolan, quien destaca en particular su admiración por Jason and the Argonauts (1963) y Clash of the Titans (1984), ambas películas con el talento artístico del pionero de los efectos especiales Ray Harryhausen. “Pero cuanto más lo pensaba, más me intrigaba la idea de abordar la más grandiosa de las historias, con un presupuesto de primer nivel, un elenco de primer nivel, y volcar en este mundo todas las técnicas y recursos modernos de una producción hollywoodiense a gran escala”.

Si bien La Odisea representa una tarea abrumadora para cualquier escritor que quiera adaptarla, la obra anterior de Nolan lo había preparado bien para ello. La narrativa no lineal del poema y las búsquedas paralelas de dos personajes entrelazados, Odiseo y Telémaco, se asemejan al enfoque de Nolan en Oppenheimer. Cuenta con numerosos episodios distintos, ambientados en entornos extremos y variados al igual que en Inception, y presenta una gran variedad de secuencias de acción, desde una batalla a gran escala entre ejércitos enemigos hasta misiones de sigilo en lugares peligrosos; todos ellos retos a los que Nolan ya se ha enfrentado anteriormente en sus películas Dunkirk y Tenet.

Y Odiseo es un ejemplo mítico de todos los protagonistas de Nolan: ingenioso, con principios pero moralmente ambiguo, definido por un complejo misterio en su carácter. “Lo que más me gustó del poema cuando lo volví a leer, una vez que supe que eso era lo que Chris quería hacer, fue ver cuán perfectamente encajaba con la forma en que Chris cuenta las historias”, dice Thomas. “No es lineal; hay sustos, emociones fuertes y grandes revelaciones”.

Contrariamente a algunas suposiciones comunes sobre La Ilíada y La Odisea, el primer poema no describe el final de la guerra de Troya, y el segundo sólo menciona al Caballo de Troya en flashbacks. (Es probable que el público original ya conociera la leyenda, quizá por estar familiarizado con otros poemas épicos de la época que hoy se han perdido en la historia). Dado que la representación de la infiltración y el saqueo de Troya era fundamental para la adaptación de Nolan, este incorporó detalles y personajes de las fuentes que se conservan y que ofrecen una descripción más robusta de la estratagema del Caballo de Troya, entre ellas La Eneida, un poema épico compuesto en el siglo I a. C. y atribuido al poeta romano Virgilio; y Agamenón, de Esquilo.

A medida que Nolan iba definiendo la caracterización de Odiseo y desarrollando la historia, comenzó a surgir una estética ambiciosa para la producción basada en la búsqueda de la verosimilitud del director, sin importar cuán fantásticos fueran el género o la historia. “Lo que he venido haciendo en mis películas a lo largo de los años, ya sea en The Dark Knight, Interstellar o Inception, es tomar ideas fantasiosas y anclarlas en la realidad”, explica Nolan. “Si las películas han funcionado, creo que parte de su poder y atractivo proviene del hecho de que se ganaron sus mundos gracias al público, para que este pudiera creer en cosas emocionantes y extravagantes”.

Al mismo tiempo, Nolan quería que su versión de La Odisea, una historia situada hace casi 3,000 años, resultara atractiva para los cinéfilos modernos. Su deseo coincide con el de los primeros bardos que cantaron sus propias adaptaciones del poema, modificando la sintaxis, introduciendo vocabulario regional, enfatizando determinados temas o alterando elementos de la trama para que su público pudiera verse reflejado en el relato. “Cuando estaba escribiendo el guion tomé la decisión de que quería que la película fuera accesible”, indica Nolan. “Quería que el mundo de La Odisea se sintiera como uno con el que el público moderno pudiera conectar. No queríamos que se viera o que sonara parecido a otras películas ambientadas en la antigüedad, ya que muchas de ellas se inspiran en determinados períodos del arte y la música, como la pintura neoclásica de los siglos XVIII y XIX en Europa o las composiciones orquestales de la época romántica. Queríamos un tono sencillo, moderno y cercano que diera solidez a la historia”.

La pasión de Nolan por encontrar el valor de la producción en locaciones reales, el trabajo con dobles de riesgo en vivo y los efectos prácticos o “con cámara” está bien documentada. Pero nunca se ha mostrado reacio a usar efectos visuales de ser necesario —de hecho, sus películas han ganado tres premios Óscar® en la categoría de mejores efectos visuales— y ha estado a la vanguardia del avance de las técnicas tanto en la producción cinematográfica como en la exhibición en las salas de cine, particularmente debido a su pasión por el formato IMAX. Para hacer Oppenheimer, Nolan y su director de fotografía, Hoyte van Hoytema, trabajaron con IMAX y Kodak para crear una película en blanco y negro de 65 mm y 15 perforaciones para las cámaras de cine IMAX de 15/65 mm que se utilizaron en esa película. Tras ese triunfo, Nolan se dio cuenta de que se encontraba en una posición única para rodar La Odisea utilizando todas las técnicas y tecnologías a su alcance —e incorporando también algunas nuevas— y a una escala que igualara a la de sus películas anteriores, y que hasta las superara.

“Soy un gran aficionado a la historia del cine, particularmente de la era del cine mudo”, dice Nolan. “Algunas de las cosas del cine que atraían al público en ese entonces también le hablan al público de hoy. Sets extraordinarios, locaciones excepcionales, elencos de miles de personas. Parte del atractivo de esos espectáculos era que estos efectos fueron generados prácticamente, con set reales, locaciones reales y decenas de extras. Con el tiempo, con la tecnología de efectos visuales, mucho de eso se perdió. Lo que me ha interesado desde hace tiempo es la capacidad de combinar esas dos cosas para crear la experiencia más envolvente y potente posible. Podemos volver a una época anterior del cine, en la que el espectáculo ‘frente a la cámara’ lo era todo para el público. Pero también podemos abordar la fantasía a través del poder de los efectos visuales. Para mí, esta síntesis fue uno de los atractivos del proyecto. Estamos intentando abarcarlo todo, algo que parece totalmente adecuado para lo que es La Odisea y lo que necesita mostrar en la pantalla”.

Al entrar en la fase de preproducción, Nolan y Thomas reunieron un equipo formado tanto por colaboradores habituales como por otros nuevos, todos ellos dispuestos a afrontar el desafío de hacer una película “que pareciera siete películas ambiciosas diferentes reunidas en una sola”, explica Thomas. “Creo que Chris se encontraba en el momento adecuado de su carrera para hacer esta película. Todos lo estaban. Todo lo que hemos hecho en el pasado nos preparó para esto, porque todos tenían que dar lo mejor de sí mismos para que esto saliera bien. Como productor, suelo ser la persona que se sienta a un lado de la sala durante los preparativos, escuchando la conversación creativa. Hubo un montón de reuniones en las que era como ver a una orquesta interpretar una sinfonía increíblemente compleja. Fue increíble observar cómo la gente analizaba los problemas a los que se iba a enfrentar y buscaba la mejor manera de abordarlos y lograr lo aparentemente imposible”.

No es que fuera fácil. No lo fue, como te dirán todos los involucrados en el proyecto. Una y otra vez. Pero esto también es lógico, señala Nolan: “Fue un trabajo duro —como debe ser. Es La Odisea”.

Fuente: Licda. Miryana Márquez

Universal Pictures Venezuela

Agradecimiento. Licda. Ana Teresa Delgado

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CINE: ¡Bizarrap también se une a "Toy Story 5"!. Estreno el 17 de junio

Para el inminente estreno de Disney y Pixar, el productor y artista argentino da voz a Santa de Jardín en el doblaje en español de Latinoamérica y España.

Bad Bunny también figura en los cameos de voz previamente anunciados.

Tras el reciente anuncio de que Benito Antonio Martínez Ocasio —conocido artísticamente como Bad Bunny— tiene un cameo de voz en español como el nuevo personaje Pizza con Anteojos para Latinoamérica y España, Toy Story 5 incluye en su elenco de voces a Bizarrap, el artista de trayectoria internacional que redefinió el rol del productor a través de sus virales Bizarrap Music Sessions.

Bizarrap (BZRP), productor y artista argentino que se ubica entre los más escuchados del mundo, ganador de 4 Premios Latin Grammy y 4 Récords Guinness, cuenta con un cameo de voz como Santa de Jardín en la versión en español para Latinoamérica y España, un miembro ecléctico y ferozmente protector de una pequeña aunque poderosa comunidad de juguetes olvidados en un patio trasero.

La participación de Bizarrap y Bad Bunny son especialmente emocionantes porque sus personajes comparten una escena juntos en un encuentro sorprendente e imperdible.

Toy Story 5 estrena en cines de Venezuela, y el mundo, el 17 de junio

Sobre Toy Story 5

Los juguetes están de regreso en Toy Story 5 de Disney y Pixar, y esta vez se encuentran con la tecnología. El propósito de jugar de Woody (voz en inglés de Tom Hanks), Buzz Lightyear (voz en inglés de Tim Allen), Jessie (voz en inglés de Joan Cusack) y el resto del grupo se ve amenazado cuando se enfrentan a Lilypad (con la voz en inglés de Greta Lee), una nueva tableta que llega con sus propias ideas disruptivas sobre lo que es mejor para su niña, Bonnie. ¿Volverá el juego a ser como antes?

Toy Story 5 está dirigida por el ganador del Premio de la Academia® Andrew Stanton, codirigida por Kenna Harris, producida por Lindsey Collins y escrita por Stanton y Harris. La película cuenta con una banda sonora original del ganador del Oscar® Randy Newman, quien regresa para musicalizar su quinta película de Toy Story.

Fuente. Licdo. Roberto Colmenares

Agradecimiento. Licda. Ana Teresa Delgado

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CINE: Réquiem en Seda. El Diablo hackea su propio Infierno "El diablo se viste a la moda 2"

 

Por. Dr. Claudio E. Pompilio Quevedo

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En un ecosistema donde el papel ha exhalado su último suspiro y el algoritmo dicta el canon de la belleza, Miranda Priestly emerge no como una reliquia, sino como un virus de alta costura. Esta entrega no es una simple continuación cinematográfica; es la autopsia de un imperio que se niega a la sepultura, donde el lujo se vuelve subversivo y la elegancia, un acto de resistencia digital. Aquí, el misterio no reside en quién sobrevive al cambio de guardia, sino en cómo el mito devora su propia decadencia para reinventarse en un código binario bañado en Chanel. Es, en esencia, el regreso de una deidad que ha comprendido que, para seguir siendo eterna, debe aprender a incendiar su propio templo.

Dos décadas después de aquel chasquido de dedos que paralizó Manhattan, La historia nos sitúa en un presente donde las revistas de papel son reliquias de un culto olvidado. Miranda Priestly, interpretada con una contención magistral por una Meryl Streep que ahora dota a su personaje de una vulnerabilidad casi arquitectónica, se enfrenta al declive de su imperio editorial.

El conflicto central es exquisitamente irónico: Miranda debe acudir, casi en una posición de súplica, a su antigua asistente, Emily Charlton (una Emily Blunt convertida en una implacable ejecutiva de un titán del lujo mundial). La dinámica ha mutado; ya no es una relación de servidumbre, sino un duelo de ajedrez entre dos mujeres que comprenden que el estilo es la única armadura que no envejece.

La película logra lo impensable: humanizar a Miranda sin restarle su aura de deidad. La vemos lidiar con la soledad del mando en un mundo que ya no habla su idioma. El diseño de vestuario no es solo adorno; es un lenguaje. Mientras Miranda viste piezas de archivo que evocan la novela histórica y la permanencia, el entorno digital se mueve en una estética efímera y disruptiva. La aparición de Anne Hathaway es el ancla ética de la cinta. Su presencia subraya que, aunque uno escape del "círculo", la marca de Miranda es indeleble, casi como el estigma de una criatura fantástica que ha transformado a quienes la rodearon.

Para quienes apreciamos la moda como una de las bellas artes, esta película es un espejo. Nos habla de la transición del glamour tangible a la influencia algorítmica. Es una pieza fascinante que se aleja de la comedia ligera para adentrarse en el drama de personajes, con diálogos que cortan como cristal de Murano y una puesta en escena que es, en sí misma, una lección de curaduría.

"En un mundo de reels y filtros, la verdadera distinción es el silencio de un corte perfecto."

CINE: ¡El diablo viste a la moda 2 ya estrenó en cines de Venezuela!

A 20 años del estreno de la película que marcó a una generación, la esperada secuela protagonizada por Meryl Streep, Anne Hathaway, Emily Blunt y Stanley Tucci reencuentraa los fanáticos con el sofisticado mundo de la revista Runway y los divertidos personajes que lo ha bitan.

Te invitamos descubrir cómo hicieron para que Miranda, Andy, Nigel y Emily volvieran a la gran pantalla.

Miranda Priestly está de regreso. La icónica directora de la revista Runway está taconeando en las salas de cine de toda Venezuela por el estreno de El diablo viste a la moda 2, la esperada secuela de la película de 2006. Protagonizada una vez más por Meryl Streep (Priestly), Anne Hathaway (Andy), Emily Blunt (Emily) y Stanley Tucci (Nigel), la nueva historia reencuentra a las audiencias con los queridos personajes veinte años después, transportándolas nuevamente al sofisticado mundo de Runway, donde la periodista Andy Sachs regresa a trabajar bajo el mando de la inigualable Miranda.

A dos décadas del fenómeno cultural en que devino el primer filme, El diablo viste a la moda 2 hace su entrada triunfal de la mano del mismo equipo creativo detrás de la primera película, regalando a los fanáticos nuevas frases memorables y mucha moda.

Un mundo diferente que merecía ser explorado

El elenco y el equipo creativo coinciden: la secuela más esperada llegó cuando tenía que llegar. David Frankel, director de la película original y de la nueva entrega, sostiene que fueron los cambios sucedidos en el mundo del periodismo impreso durante los últimos años los que prepararon el terreno para la continuación de la historia. “A medida que vimos cómo el periodismo impreso seguía en declive año tras año, empezó a tener sentido explorar ese cambio y desarrollar una historia en la que estos personajes volvieran a interactuar”, explica, al tiempo que la actriz Meryl Streep agrega: “El negocio prácticamente se desvaneció, y todos están tratando de ver cómo hacer para hacerlo funcionar. Y es en ese contexto donde surge la tensión y surge la trama, y donde pasan a primer plano todas las cosas que la gente tiene que hacer para mantener el barco a flote en tiempos turbulentos”.

Con respecto al reencuentro con los personajes principales en este contexto, Frankel comenta: “La cuestión de cómo Miranda Priestly enfrentaría el declive de su imperio nos resultó fascinante. Y en el caso de Andy Sachs, si la primera película era una historia de aprendizaje en la que una joven descubre su lugar en el mundo, la secuela trata sobre una mujer madura que enfrenta la realidad de todas las decisiones que tomó en su vida”.

Meryl Streep, la pieza clave

La realización de la secuela dependía de una buena trama, pero había una pieza clave para que se convirtiera en realidad: Meryl Streep. Según Frankel, no había posibilidad de avanzar con una secuela sin ella. Gracias a una serie de eventos de los últimos años que llevaron a la legendaria actriz a volver a ver la película original y a reencontrarse con Hathaway, la guionista Aline Brosh McKenna y Frankel, la idea de la secuela comenzó a tomar forma.

Una vez confirmada para el proyecto, Streep conversó extensamente con Brosh McKenna sobre el camino que habría recorrido Miranda Priestly en estos últimos veinte años. Cuenta la guionista: “Fue muy emocionante simplemente sentarme a conversar nuevamente con Meryl. Hablamos durante unas cuatro o cinco horas después de que le envié el primer borrador, y fue muy interesante hablar con ella. Tiene grandes preguntas, grandes ideas y ofrece una colaboradora fantástica”.

Evoluciones profesionales y personales

“Lo que hace única y especial a esta secuela es que no surgió porque el estudio nos la pidiera. Nació del deseo de los creadores de la película original de volver a este material. Así que tuvimos la oportunidad de desarrollarla por nuestra cuenta y definir qué nos importaba, qué nos gustaba y qué nos resultaba interesante”, cuenta Brosh McKenna. En ese proceso, la guionista y el director hicieron foco en el tema central de la nueva historia: el cambio. “Las historias que nos interesan tratan sobre los seres humanos y lo que atraviesan cuando sus circunstancias cambian o cuando el mundo cambia a su alrededor”, comenta la guionista, al tiempo que Frankel agrega: “El cambio es algo que todos experimentamos en nuestra carrera profesional, y la forma en que lo afrontamos está muy presente; es algo que todos nuestros personajes deben atravesar”, señala. En este sentido, y en el marco de un contexto muy diferente al de comienzos de los 2000, la película acompaña a Miranda, Andy, Emily y Nigel en sus trayectos personales y profesionales, poniéndolos en el centro de nuevas circunstancias en momentos vitales muy diferentes a los que transitaron en el primer filme.

Una historia que no pasa de moda

Brosh McKenna asegura que el interés principal de los realizadores siempre estuvo en los personajes y las relaciones entre ellos, y no hay duda de que ahí está el secreto de la vigencia de esta historia. “Hay algo en esta historia, en estos personajes y en sus vidas que parece producir alegría”, observa la guionista. Y la actriz Emily Blunt coincide. “La primera película se convirtió en una especie de reserva nostálgica de alegría para la gente. Es una experiencia que une: hay gente que se separó, volvió a la casa y vio El diablo viste a la moda para animarse. La pasan en los aviones. La ven cuando sus padres están enfermos. La ven en Navidad. Tiene algo que genera mucha conexión”, asegura.

Veinte años después de aquel estreno que marcaría a toda una generación, los desafíos, las alegrías y las tristezas de los personajes de Runway continúan conmoviendo a espectadores de todas las edades. Y tener la posibilidad de reencontrarse con ellos es simplemente maravilloso.

El diablo viste a la moda 2 ya está disponible en cines de toda Venezuela.

Thank. Licda. Ana Teresa Delgado

Fotos. Cortesía

CINE: Hasta el 29_XXI edición de Euroscopio, el Festival de Cine Europeo

En su 21 edición, Euroscopio, el Festival de Cine Europeo, reafirma su compromiso con el intercambio cultural a través de una interesante selección. 

El Centro Cultural de Arte Moderno CCAM, una de las sedes de este ya esperado evento, este 2026 presenta siete títulos: Una máquina fantástica de Suecia (martes 21); Lampo, el perro viajero de Polonia (miércoles 22); Saben Aquell de España (jueves 23); El cielo puede esperar de Alemania (viernes 24); La memoria del perfume de las cosas de Portugal (lunes 27); Tres kilómetros al fin del mundo de Rumanía (martes 28); y Jippie No More! Países Bajos (miércoles 29).

Del 21 al 29 de abril de 2026

6:30 p.m.

Entrada Libre

Fuente. Licda. Annie Suárez

Foto. Cortesía

CINE: Hoy 18 en el CCAM_Sinfonía Urbana de Kiro Russo

La Fundación Margot Benacerraf presenta "El gran movimiento" de Kiro Russo, obra boliviana premiada en Venecia, que se proyectará el en el Centro Cultural de Arte Moderno CCAM. 

Esta "sinfonía urbana" en Super 16mm explora la asfixia de un joven minero en una ciudad de La Paz que oscila entre el realismo social y lo esotérico. 

La función incluye una presentación inicial seguida de un foro para dialogar sobre su innovadora propuesta estética y narrativa. 

Se trata de una cita imperdible con el cine de autor contemporáneo en el marco del ciclo Destellos de Cine.

Sábado 18 de abril de 2026

5:00 p.m.

Entrada libre

Fuente. Licda. Annie Suárez

Foto. Cortesía CCAM

CINE: Del 2 al 29_EUROSCOPIO ¡El festival de cine europeo más esperado vuelve a Venezuela!

Del 2 al 29 de abril, Euroscopio, uno de los festivales de cine e intercambio cultural más esperados, celebra su 21ª edición recorriendo el territorio nacional. De Caracas a Maracaibo, y desde Barquisimeto y Mérida hasta Margarita, la pluralidad de la narrativa europea se hace presente en salas de cine y espacios aliados. Este 2026, entre la variada cartelera del evento se encuentran:

15 títulos seleccionados que abarcan desde la animación hasta el drama y el documental

15 países representados a través de sus historias y propuestas visuales

Un catálogo que pone el foco en la inclusión, el medio ambiente y la diversidad

Como cada año, España estará presente en el festival. Participará con la película Saben Aquell (Chistes y cigarrillos), un largometraje de 2023 dirigido por David Trueba. La película descubre el lado más íntimo y humano del legendario humorista Eugenio, un joyero de Barcelona que terminó convirtiéndose en el cómico más icónico de toda una generación. Con su estilo único, hizo reír a todo un país mientras lidiaba con sus propios silencios.

Saben Aquell ha sido un verdadero fenómeno en la industria cinematográfica, acumulando 28 nominaciones y 16 premios en los certámenes más importantes de España. Entre sus grandes hitos destaca el Premio Goya al Mejor Actor.

Para más detalles sobre esta y otras películas, puedes consultar la cartelera completa, así como las sedes de exhibición en el sitio web oficial del festival.

¡Te esperamos en las salas!

Del 2 al 29 de abril

www.euroscopio.com

Fuente. Oficina Cultural de la Embajada de España @embespvenezuela @culturaes_ve

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CINE: El 30 llega_Creer o Morir_El drama que retrata la resiliencia de la familia venezolana

La cinta marca el regreso triunfal de la primera actriz Rosario Prieto a la gran pantalla, en una historia que conecta la fe, la migración y el poder transformador de la música.

El próximo 30 de abril, las salas de cine de todo el país recibirán a Creer o Morir, una producción cinematográfica que promete no solo conmover al espectador, sino convertirse en un espejo de la realidad y la esperanza del pueblo venezolano.

Bajo la sensible dirección de Néstort Villalobos y con un guion firmado por Rebeca Oria, la película se perfila como uno de los estrenos más importantes del año, combinando un elenco de figuras consagradas con una narrativa que pulsa las fibras más íntimas de nuestra identidad actual.

El regreso de una leyenda y el nacimiento de una estrella

El corazón de la película reside en la química entre dos generaciones. La legendaria primera actriz Rosario Prieto entrega una actuación magistral como; Nacha;, una abuela que encarna la fuerza y la resiliencia de miles de mujeres venezolanas que han asumido la crianza de sus nietos. A su lado, el joven Omalbi Rojas debuta de forma brillante como David, un niño prodigio de la música cuya lucha por sus sueños es el motor de la historia.

Una trama de redención y puentes internacionales

Creer o Morir no es solo un relato local; es una historia universal sobre la redención. El filme cuenta con la participación del destacado actor español Jorge Roldán, quien aporta una dimensión internacional a la cinta, junto a las actuaciones de Amneris Treco, como una escritora en busca de sentido, y el primer actor José Roberto Díaz, en el papel del Pastor Meléndez.

Esta película nació de una convicción poderosa: cuando todo parece perdido, el ser humano todavía puede elegir creer", afirma el director Néstor Kiki Villalobos. La historia de David y su abuela Nacha representa esa luz que se mantiene viva incluso en medio de la adversidad, añade.

¿Por qué Venezuela debe ver Creer o Morir?

1. Reflejo Social: Aborda con respeto y profundidad el fenómeno de la crianza por parte de abuelos ante la migración.

2. Calidad cinematográfica: Una fotografía cuidada y una banda sonora que eleva el talento musical venezolano.

3. Mensaje de Unión: En tiempos de incertidumbre, la cinta ofrece una narrativa de fe que trasciende lo religioso para enfocarse en la esperanza humana.

Un manifiesto de identidad y esperanza

Creer o Morir no pretende ser solo una película, sino un testimonio de la fibra moral que sostiene a Venezuela. La profundidad de su mensaje descansa en la pluma de Rebeca Oria, cuya escritura logra un equilibrio excepcional entre la crudeza de la realidad social y la lírica de la redención. El guion de Oria trasciende el diálogo convencional para convertirse en un espejo donde cada espectador podrá reconocer sus propias ausencias, pero, sobre todo, su inquebrantable voluntad de seguir adelante.

En palabras de la guionista: “Escribir esta historia fue un ejercicio de honestidad. Es un tributo a la familia que se queda, a los sueños que no se rinden y a esa fe que, más que una creencia, es un acto de supervivencia”.

El estreno programado para el 30 de abril es, en esencia, un llamado a la unidad nacional a través del arte. Venezuela tiene en su gran pantalla una obra que no solo documenta nuestras cicatrices, sino que celebra nuestra luz. Porque, al final del día, frente a la adversidad más profunda, la única salida digna es la que nos dicta el corazón: creer o morir.

ESTRENO NACIONAL: 30 DE ABRIL Apoyemos lo nuestro. Nos vemos en el cine.

Ig: @despertarstudios

Jefe de prensa: Waleska Dorta López

Agencia de prensa: Comunicaciones Mágicas LM, C.A.

Fuente. Comunicaciones Mágicas

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CINE: Destellos de Cine inicia programación en el CCAM con Chema García Ibarra

A partir del 7 de marzo de 2026, la Fundación Margot Benacerraf presentará cine contemporáneo en el auditorio del Centro Cultural de Arte Moderno CCAM, en La Castellana, un sábado al mes, a las 5 de la tarde y con entrada libre. Esta nueva etapa de su programa de difusión cinematográfica se estrenará con dos películas del director español Chema García Ibarra, quien hablará sobre su obra al finalizar la proyección

La Fundación Margot Benacerraf continuará el programa permanente de difusión cinematográfica que lleva adelante desde hace tres años, ahora en alianza con el Centro Cultural de Arte Moderno y Habitar El cine.

Bajo el título Destellos de Cine se exhibirán a partir de marzo en la sede del Centro Cultural de Arte Moderno CCAM, en La Castellana (Caracas), una selección de películas que nos acercan al universo particular de autores contemporáneos y sus novedosas propuestas estéticas y narrativas. Son obras que iluminan la mente, despiertan la curiosidad y abren caminos hacia nuevas formas de ver.

Para enriquecer la experiencia y ampliar la cultura audiovisual del público, antes de la proyección cada película y director serán presentados brevemente y al culminar la misma se dará inicio al intercambio de opiniones con el público. En algunas oportunidades también se compartirán entrevistas a los realizadores, en vivo o previamente grabadas.

Ciencia Ficción Artesanal

Destellos de Cine inicia su programación gratuita el sábado 7 de marzo de 2026, a las 5:00 p.m., en la Sala de Auditorio del CCAM con La disco resplandece y Espíritu sagrado de Chema García Ibarra, director, guionista y productor de cine español nativo y radicado en Elche, una ciudad situada en la provincia de Alicante, dentro de la Comunidad Valenciana, donde están ambientadas todas sus películas.

Ganador de la Mención Especial Premio Zabaltegi-Tabakalera en el Festival de San Sebastián, La disco resplandece (2016) es un cortometraje que mezcla la realidad y la ficción para seguir a 5 jóvenes en busca de diversión nocturna, sin importar que la discoteca esté cerrada hace años. Para ellos recurrir a la fantasía es una manera de afrontar un presente sin futuro.

Esta función inaugural también incluye Espíritu Sagrado (2021), el primer largometraje de García Ibarra cuya historia gira en torno a José Manuel, un devoto de la ufología con un proyecto secreto y único conocedor del misterio cósmico que puede alterar el porvenir humano.

La película obtuvo Mención especial Festival de Locarno, Premio Especial del Jurado en el Festival de Mar del Plata y Premio Especial Feroz Arrebato de Ficción en los Premios Feroz.

El cine de García Ibarra se sirve del esoterismo y la “ciencia ficción doméstica” para hacer un retrato que de alguna extraña manera se convierte en un documental de su ciudad natal, Elche. El director, de 46 años, ha logrado construir una obra muy personal que explora el humor, el kitsch y las creencias y absurdos del pueblo ilicitano. Acostumbra trabajar con no actores excéntricos, diálogos cáusticos y gestos mínimos sin caer en la parodia fácil.

El cine de Chema García Ibarra

En esta función el público también podrá conocer a Chema García Ibarra. Después de la presentación de las películas se proyectará una entrevista grabada con el director español quien desde hace 20 años ha realizado numerosos cortometrajes que han participado en los festivales de Cannes, Sundance, Berlinale, San Sebastián, Rotterdam, Valdivia o Bafici.

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Para mayor información:

@destellosdecine @margotbenacerraffa @cculturalam @habitarelcine

Fuente. Licda. Annie Suárez Celis

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CINE: Hasta el 19_Seguimos descubriendo Las joyas ocultas del Óscar.

El desaire a Julia Roberts ha sido el "shock" estadístico del año. Tras ganar el premio del Círculo de Críticos de Cine de Nueva York (NYFCC), su exclusión de los Oscar marca un precedente de rechazo al cine de autor de Luca Guadagnino.

El Análisis: Stephanie Zacharek (Time) escribió que Roberts ejecutó un "exorcismo de su propia imagen estelar". Al despojarse de su famosa sonrisa para habitar un thriller psicológico demacrado y paranoico, Roberts se alejó del "Oscar-bait" tradicional. La crítica coincide en que la Academia castigó la naturaleza divisiva y visceral de la dirección de Guadagnino, sacrificando una de las actuaciones femeninas más valientes de la década.

Las puertas de Cinética Cultural se abrirán a las 3 de la tarde de este domingo para que disfrutes de esta gran actuación.

Las joyas ocultas del Óscar.

Desde el 1 de marzo hasta el 19 de abril, en funciones únicas que no se podrán disfrutar fuera de este horario, ni en otras salas. (solo domingos)

Cinética Cultural está ubicada en la Planta baja de la Torre Cinética en la calle B de Los Ruices (subiendo antes del canal 8, la primera cuadra a mano derecha. El costo de la entrada será de $5 e incluye el estacionamiento.

Compra tu entrada directo en este enlace, ( https://tickets.liveri.com.ve/cinetica o directo en la taquilla del teatro, el día de la función.

Fuente: Eventos Cinetica Cultural

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