DESDE SEVILLA: El 24_"Sanctus Santo Rey-Santo Entierro" y "Cien Años para soñar un día Centenario del Lunes Santo" en Fund. Cajasol

El próximo viernes 24 de febrero, en la sede de la Fundación Cajasol, en Sevilla, el presidente de la misma, el Hermano Mayor de la Hermandad del Santo Entierro y los Hermanos Mayores de las Hermandades del Lunes Santo, inugurarán en el patio central de la institución, las exposiciones:

Sanctus Santo Rey-Santo Encierro

y

Cien años para soñar un día Centenario del Lunes Santo.

Las muestras, estarán presentes del 24 de febrero al 28 de marzo en las salas Murillo y Vanguardia como parte de las actividades programadas con motivo de la Semana Santa.

Coordenadas:

Fundación Cajasol Sevilla - 

Salas: Murillo y Vanguardia (acceso por c/Álvarez Quintero)

Horario: de lunes a sábado, de 11 a 14 h. y de 18 a 21 h. Domingos y festivos, cerrado.

Info. Claudio Emilio Pompilio Quevedo

Photos. Courtesy

ARTE/ART: “PAPELES DE CREACIÓN. UNA MIRADA AL COLLAGE"

En el marco del 83 aniversario de la Asociación Venezolana de Conciertos – AVC –, el Centro de Artes Integradas invita a la exposición “Papeles de creación. Una mirada al collage”, cuya motivación principal surge por el interés que el collage, como medio expresivo, ha demostrado tener para un número considerable de artistas tanto en el ámbito venezolano como en otros países. No cabe duda de que, para muchos, hacer collage es más que un complemento de su práctica artística; es también una manera de pensar en la imagen, sea en el acto de su fragmentación como en el de su reconstrucción visual.

En palabras de la curadora Susana Benko: “Hacer un collage, como sabemos, implica componer fragmentos aislados de papeles – o de otros materiales de diversa procedencia – para crear una nueva imagen que percibimos como una unidad cohesionada. El resultado de ello depende no solo del ejercicio técnico y formal sino también de la conciencia que implica alterar una ‘realidad’ para crear otra nueva a partir de fragmentos. El resultado tiende a ser impactante, tanto que muchas veces supera a la imagen original”.

Para comprender la densidad de lo que esto supone, se ha invitado a participar en esta exhibición a catorce artistas venezolanos con criterios muy diferentes y personales de cómo trabajar el collage: Corina Briceño, Gladys Calzadilla, Gloria Blancato Meli, Johan Galué, Josefina Núñez, José Vivenes, Manuel Eduardo González, María Elena Álvarez, Marianela Pérez, Mario Colina, Maruja Herrera, Nayeh Anzola, Pedro Tineo y Rafael Castillo Zapata.

Para conocer más información sobre esta y otras iniciativas, se puede visitar el Instagram del CAI, @centrodeartesint, y el de la AVC, @avcven, además de la página web www.centrodeartesintegradas.org.

Fuente. Anakarina Fajardo

Photos. Courtesy

Por. Yeraldo Jesús Valera

EXPOSICIÓN: Hasta 02 sept_Obra de JJ Moros protagoniza exposición en la galería Espacio 5 de Valencia

EXPOSICIÓN:

Fuente: Lic. Zoraida Depablos

Comunicaciones y RP

Fotos. Cortesía

La propuesta artística del creador venezolano JJ Moros podrá ser apreciada en Valencia a través de la exposición individual “Espacio Semántico”, que se presenta en la Galería Espacio 5, con una selección de piezas tridimensionales donde el espacio se convierte en una posibilidad de estructuración de la obra de arte y se incorpora en franco diálogo e interrelación a la misma.

Con la curaduría de María Luz Cárdenas, la muestra –que permanecerá en exhibición hasta el 2 de septiembre– está formada por tres áreas de problemas que generan tensiones entre sí y organizan sus propios campos visuales y juegos de relaciones, según escribe la curadora en texto que acompaña la exposición.

“En primer lugar se encuentran las diagonales colocadas en el ángulo de la pared, acentuando la fuerza del espacio. En segundo lugar están los círculos y cuadrados independientes o asociados en conjunciones círculo-cuadrado y; por último, los conjuntos seriales. El artista explora las tensiones que se derivan de la relación entre volúmenes, planos y líneas, tensiones reforzadas por el uso frecuente de ejes diagonales, originando piezas que expresan, en su formalidad y rigor, un discurso coherente y fluido en torno al espacio”, señala Cárdenas.

A juicio de la curadora, la obra de JJ Moros se levanta sobre la articulación geométrica y la organizada composición de piezas que han contribuido considerablemente al desarrollo contemporáneo de la escultura en Venezuela a partir del legado de maestros como Víctor Valera y Pedro Briceño, y bajo esos aspectos se encuentra el concepto clave que determina sus acciones y define la esencia filosófica de su trabajo, como es la construcción del espacio como fuerza primordial y ontológica.

El artista profundiza el dialogo entre el espacio y la materia, las formas y los vacíos en la escultura para establecer una búsqueda de nuevas fuentes para el espacio​ escultórico.​

”La forma simple, la línea recta y las formas geométricas adquieren valores insospechados, especialmente en las conjunciones en las que activa esquineros, ángulos, pisos y paredes. Ello nos sugiere una continuidad entre el espacio físico, el espacio arquitectónico y el espacio añadido por las hendiduras y muescas labradas en las piezas, y también lleva a una reconfiguración de los datos visuales al permitir que el espectador tenga una experiencia más específica al integrar el espacio donde se sitúa, para introducirnos en un campo escultórico diferente y complejo”.

Artista de amplia trayectoria y heredero de la tradición moderna de nuestros grandes maestros, este creador con más de veinte galardones y distinciones ha realizado importantes muestras colectivas e individuales, y se ha convertido en una referencia vital dentro de la escultura contemporánea en Venezuela. Médico veterinario, de formación autodidacta en las artes visuales, J J Moros se ha dedicado desde 1980 a la abstracción escultórica sirviéndose del hierro como material para desarrollar sus espacios geométricos.

El público tendrá la oportunidad de apreciar la obra de este artista a través de la muestra “Espacio Semántico” que se estará presentando del 2 de julio al 2 de septiembre en la galería Espacio 5, ubicada en la casa No. 141-10 de la avenida Carabobo con cruce de la calle La Ceiba, urbanización La Viña, en Valencia, estado Carabobo. El horario es de martes a viernes de 10:00 a.m. a 1:00 p.m. y de 3:00 a 6:00 p.m., y los sábados de 11:00 a.m. a 4:00 p.m.

EXPOSICIÓN: Viktor & Rolf trasgreden al arte

EXPOSICIÓN:

Fuente: Lic. Carolina Goicochea Palacios / Lic. Alessandra Lossada L.

GPCConsulting

Foto. Cortesía

@GPCCONSULTING @Viktor_and_Rolf

Los fashion artists celebraron su visión lúdica y artística con una exposición que recorre sus 25 años de historia 

Estos artistas revolucionaron el mundo de la moda gracias a una serie de propuestas, en donde la extravagancia e ideas poco ortodoxas dieron paso a una carrera repleta de éxitos y reconocimientos alrededor del mundo. Ahora, Viktor & Rolf pasan a la historia del haute couture no como simples diseñadores, sino como verdaderos artistas. 

Famosos por su enfoque provocador y rebelde a la hora de elaborar sus bosquejos con un virtuosismo técnico y un profundo conocimientos de la historia de la moda, presentaron al público australiano una exposición que resumió la artesanía magistral, el rigor intelectual y el sentido del humor irónico que siempre los ha caracterizado. 

La National Gallery of Victoria en Melbourne, Australia durante varios días, fue el escenario escogido para presentar las piezas icónicas de este dúo holandés como su famosa colección Russian Doll y una serie de 35 nuevas propuestas, en donde el público se puedo deleitar con una explosión creativa que sirvió como fuente de inspiración para sus afamadas fragancias Flowerbomb y Spicebomb; así como su más reciente perfume inspirado en los más exquisitos trazos de sus pasarelas: Bonbon.

Una magnífica carrera que se resume en tres palabras: genialidad, irreverencia e innovación. Viktor & Rolf son sin duda íconos de la moda que trasgredieron las barreras de lo convencional para presentar al público propuestas originales.

EXPOSICIÓN: Desde el 13... Exposición antológica de la ceramista Reina Herrera presenta el Museo Sefardí de Caracas

EXPOSICIÓN:

Fuente. Lic. Marisela Montes

Comunicaciones y RP

Fotos. Cortesía

Una exposición en torno a la obra de Reina Herrera, será inaugurada por el Museo Sefardí de Caracas Morris E. Curiel el domingo 13 de noviembre a las 11:00 a.m., en la Asociación Israelita de Venezuela, como un homenaje póstumo a una de las figuras más prominentes de la cerámica venezolana.

Reina Herrera: legado de vida es el título de esta muestra, que con la curaduría y museografía de Alberto Asprino, ofrece un recorrido por los momentos claves de la obra de esta gran artista, nacida en Marruecos en el seno de una familia judía sefardí en 1923 y fallecida en Caracas en 2014.

La exposición contempla un primer acercamiento de carácter antológico con la obra Sin titulo realizada en 1977, de la Colección Ruben Pacheco, que de acuerdo a las palabras del curador Alberto Asprino, es una obra simbólica en esta muestra ya que perteneció al maestro Candido Millán (+), quien fue una persona muy especial para Reina Herrera; y seguidamente aborda la década de los años 80 con la obra Sin titulo(Cabeza), perteneciente a la Colección de la Universidad Simón Bolívar, tiempo y espacio de gran significación en el proceso creativo de Herrera, según describe Asprino.​

A continuación se cubre un espectro expositivo de aproximadamente treinta años, donde el curador destaca mayormente el trabajo escultórico​ de la artista en franco diálogo con su obra dibujística, y muestra unos acentos puntuales como son sus herramientas de trabajo y algunos bocetos, para culminar estableciendo otro vínculo cercano al entorno amoroso y familiar, con la obra Sin titulo (Máscara), realizada en el año 2000 por Herrera e intervenida por Mariana Monteagudo, su nieta quien siguió y heredó su sensibilidad creadora.

Asimismo, dentro de la muestra se incluye la exhibición de una selección de obras de otros creadores de las artes del fuego, que de alguna manera encontraron en Reina Herrera un ejemplo a seguir, como son Josefina Álvarez, Alberto Asprino, Esther Alzaibar, Jorge Barreto, Guillermo Cuellar, Rodrigo García Alejo, Maruja Herrera, Noemí Márquez, Mariana Monteagudo, María Pont.

Residenciada en Venezuela desde 1935, Reina Herrera realizó importantes aportes dentro del ámbito de las artes visuales venezolanas, tanto por su vasta producción creativa, como por su labor docente en la Escuela de Artes Plásticas Cristóbal Rojas durante más de tres décadas y en el Taller de Cerámica del Instituto de Diseño de la Fundación Newman por dos años, transmitiendo sus conocimientos a muchas otras generaciones de ceramistas.

Su amplia actividad expositiva a lo largo de 50 años incluyó exhibiciones en los principales museos, salas y galerías de Venezuela, Turquía, Alemania, Inglaterra, Japón, México, China, Puerto Rico, entre otros países; además fue merecedora de reconocimientos como la Mención Honorífica XXI Salón Oficial Anual de Arte Venezolano, Museo de Bellas Artes, Caracas, 1960; Premio Nacional de Artes Aplicadas XXVI Salón Oficial Anual de Arte Venezolano, Museo de Bellas Artes, Caracas, 1966; Premio de Artes Aplicadas, XXV Salón Arturo Michelena, Valencia, Edo. Carabobo, 1967; Diploma de Honor a la Calidad Exposición Internacional de la Cerámica Contemporánea, Estambul, Turquía, 1968; Mención Honorífica del jurado especial, Primer Encuentro Iberoamericano de Críticos de Arte y Artistas Plásticos, VI Salón Nacional de las Artes del Fuego, Valencia, Edo. Carabobo, 1978.

“Reina Herrera comprendió las reglas del barro y del fuego para transformarse en alquimista, dejándose llevar por la magia de la tierra, desarrollando por más de veinticinco años una obra que se convierte en una referencia indispensable en el escenario de nuestras artes visuales. Difícilmente pudieran cuantificarse esas horas, esos días de enseñar haciendo, de crecer creyendo. Este ha sido su valor de vida y en el fondo, el legado que nos ha dejado” (Alberto Asprino, 1991).

La muestra Reina Herrera: legado de vida, se estará presentando del 13 de noviembre al 11 de diciembre en el Museo Sefardí de Caracas Morris E. Curiel, de la Asociación Israelita de Venezuela, ubicado en la avenida principal de Maripérez con Paseo Colón, Caracas. El horario es los domingos de 11:00 a.m. a 1:00 p.m., mientras que de lunes a viernes se debe concertar cita previamente a través del teléfono 0212-5781489. La entrada es gratis.

EXPOSICIÓN: Hasta el 27... Reproducciones de los Frescos de Ambrogio Lorenzetti se exhiben en la Plaza Los Palos Grandes

EXPOSICIÓN:

Fuente. Lic. Zoraida Depablos

Comunicaciones y RP

Fotos. Cortesía

@culturachacao

La exposición propone un espacio para compartir experiencias del bien común y del protagonismo de la persona dentro de una ciudad convulsionada.

Una muestra didáctica de la Compañía de las Obras (CDO Venezuela), que reproduce los Frescos del Bien Común creados por el artista italiano Ambrogio Lorenzetti en Siena, se presentará en alianza con Cultura Chacao del 12 al 27 de noviembre, en la Plaza Los Palos Grandes, con el título “Cor Magis, el bien de todos”.

La exposición exhibe los Frescos del Buen Gobierno que pintó Ambrogio Lorenzetti entre 1338-1340 en el Salón de los Nueve del Palacio Público de Siena, los cuales “evidencian la dramática alternativa que enfrenta toda convivencia humana: la búsqueda del bien común, fuente de la justicia y la seguridad o el prevalecer del bien propio, origen de toda injusticia y violencia”, según se lee en uno de los paneles de la muestra.

Los asistentes podrán disfrutar de visitas guiadas en horarios establecidos, y de conversatorios sobre el Bien Común en algunas experiencias llevadas a cabo en nuestro país: la salud, el emprendimiento, el arte, los espacios públicos y el bien común en Venezuela; en los testimonios de Dr. Tomás Sanabria, el Dr. José Colmenares de El Tocuyo, Edo. Lara, la arquitecto y diseñadora Gabi Valladares de Papusa, Lennis Garcia de TAPS Diseños, el Embajador de Italia en Venezuela Silvio Mignano, Ana Cristina Vargas de Trazando Espacios, la presidenta de Cultura Chacao Albe Pérez, Ramón Guillermo Aveledo y Norma Pérez de Ashoka, entre otros. 

Asimismo se incluye la proyección del video de la curadora original de la exposición Mariela Carlotti, además de actividades infantiles en la Biblioteca y la Plaza Los Palos Grandes.

Cabe destacar que se prevé llevar la muestra a otras localidades como Petare y La Vega en Caracas, Valencia, Mérida, Cumaná y Barquisimeto; buscando la participación de personas y organizaciones que practiquen su protagonismo en la sociedad como una forma de generar cambios.

Los Frescos del Bien Común se proponen en un momento histórico en el que es más necesario que nunca que los ciudadanos entiendan y asuman el protagonismo y responsabilidad que tienen en la construcción de una mejor sociedad.

Para mayor información puede ser solicitada a través de la página web cultura.chacao.gob.ve, las cuentas de Twitter: @culturachacao / @CDO Venezuela Facebook: culturachacao.org / CDO Venezuela e Instagram: culturachacao / cdovzla o por el correo agendaculturalchacao@gmail.com 

EXPOSICIÓN ITALIA: Fino 20 Sett... 'Dolce Acqua' personale di José Molina. MuMa_Galleria delle Rampe-Genova

EXPOSICIÓN ITALIA:

http://www.josemolina.com

https://www.facebook.com/josemolinaartist

info@josemolina.com

@josemolinaartis

Dolce Acqua, mostra da José Molina a cura di Claudia Diaspro. 

Organizzata dalla galleria milanese Deodato Arte, in collaborazione con MU.MA, Associazione Promotori Musei del Mare e della Navigazione, Coop. Solidarietà e Lavoro e Costa Edutainment.

Naufraghi nel proprio mare | Náufragos en su propio mar

Non ci avete incontrato per caso nel mezzo di un vivido paradiso, dentro al quale si muore pur di viverlo, con un cuore e dei sentimenti, ma prigionieri di una pelle morta che trasforma l’anima in una cella cieca e angusta?

Quale coltello riuscirà a scalfire quel cuoio duro, per permetterci di uscire e nuotare in quelle acque straripate, di volare in quel cielo così limpido?

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¿No os habéis encontrado a veces en medio de un paraíso muy vivo, con un corazón y unos sentidos dentro que se mueren por vivirlo, siendo prisionero de una piel muerta que reduce el alma en una ciega celda estrecha?

¿Qué cuchillo puede abrir ese duro cuero, para poder salir y nadar en esas aguas desbordadas, para poder volar en ese cielo tan limpio?

Galleria delle Rampe-Genova

Dal 27 luglio al 20 settembre

Museo del Mare. Calata de Mar, 1, 16126. Genova, Italia

Tl: +39 010 234 5655

www.galatamuseodelmare.it

EXPOSICIÓN: El realismo pictórico de Santiago Cárdenas y Jorge Stever protagoniza exposición en la Galería Freites

EXPOSICIÓN:

Agradecimiento. Licda. Zoraida Depablos

Fotos. Cortesía

(Venezuela) Obras que juegan permanentemente en el borde del realismo y la ficción, conforman la próxima muestra que inaugurará la Galería Freites el sábado 25 de abril a las 11:00 a.m., en su sede ubicada en Las Mercedes, que bajo el título "Santiago Cárdenas/Jorge Stever. Al límite de la pintura", reúne piezas de dos artistas cuyas propuestas giran en torno a la pintura como un proceso de reflexión que va más allá del lenguaje y el dominio del oficio, según expresa la curadora e investigadora de artes visuales María Luz Cárdenas.

A juicio de la curadora, ambos creadores “proponen una reinterpretación inteligente y sagaz de los sistemas de representación de la cotidianidad, elevando el mundo de lo común a un acto trascendente y reflexivo de transformación pictórica. Con una tajante seguridad visual, sin rellenos de ningún tipo, sin cabos sueltos, traspasan las líneas convencionales en la construcción del cuadro buscando nuevas definiciones espaciales y caminos conceptuales para el desarrollo de la representación”.

Asimismo, María Luz Cárdenas destaca en estos artistas el uso de la clásica técnica de trompe l’oeil (utilizada para crear la ilusión óptica de que los objetos existen en tres dimensiones), la cual es replanteada por ellos “como un mecanismo que persigue, no engañar al ojo ni copiar milimétricamente la realidad, sino sacudir el pensamiento: la idea es hacer pensar al espectador, cuestionarle si el cuadro está en su espacio tridimensional y cuál es su relación con él”.

Santiago Cárdenas, artista colombiano consolidado como una de las figuras más interesantes y originales en el contexto de las artes plásticas de América Latina, se ha destacado con sus pinturas y dibujos a lo largo de cinco décadas de trayectoria artística, por su particular manera de representar el objeto y la realidad que lo circunda. Reconocido con el Premio Nacional de Pintura en Colombia en 1976, su enfoque es conceptual y se entiende como una manera de ‘pensar el objeto’ que plantea severas dudas a las definiciones de lo ilusorio y de lo real, colocando el acento en lo que le rodea, en los entornos del objeto, las luces, y las sombras, según escribe la curadora en el catálogo de la exposición.

Por su parte Jorge Stever, nacido en 1940 Prusia (hoy Alemania) y residenciado en Venezuela desde 1974, obtuvo el Premio Nacional de Pintura en Alemania en 1963. Su propuesta pictórica “se caracteriza por presentar un máximo de volumen, transparencias, formas y espacio. Stever mantiene el precepto de convertir el cuadro en un hecho pictórico y, aunque los objetos no han sido del todo ajenos a su trayectoria, sus puntos de partida forjan raíces en el terreno de la abstracción para alcanzar —al igual que Santiago Cárdenas pero desde un camino distinto— estados más puros que convierten la pintura en un proceso meramente conceptual, abriendo un territorio desde el que se comporta como espacio y no como medio o material”.

En las obras de Stever, según explica María Luz Cárdenas, los fondos matéricos y monocromos son el soporte de marcas gráficas, de una especie de meta-escritura formada por trazos, signos, garabatos, rayones y pictogramas esparcidos por el plano de la obra en un proceso de movimiento incesante; y entre las nítidas líneas que sobresalen y las sombras que las fijan a la tela, surge un lugar impreciso de la visualidad, una dimensión inexplicable. 

“Ellas muestran en el tratamiento ambiguo del espacio una voluntariamente falsa ilusión de profundidad, de relieve sorpresivo, como si parte de las obras flotara encima de la tela y entre estos fragmentos y el fondo existiera un espacio irreal. Stever genera una tercera dimensión en la abstracción”, puntualiza la curadora.

Santiago Cárdenas posee una amplia trayectoria artística durante la cual ha desarrollado una importante labor docente en la Universidad Nacional de Colombia, la Universidad de Los Andes y la Universidad de Bogotá. Entre 1972 y 1974 es designado director de la Escuela de Bellas Artes de la Universidad Nacional. Ha realizado numerosas exposiciones colectivas e individuales, y su obra forma parte de las colecciones de diversos museos de Colombia, Estados Unidos, Venezuela, Brasil, y México, entre otros. Entre las distinciones recibidas por él destacan: Premio al Mejor Artista Colombiano en la I Bienal de Coltejer, Medellín, en 1970; Primer Premio de Pintura en la II Bienal de Coltejer, Medellín, en 1972; Primer Premio de Pintura en el Salón Nacional de Artistas, Regional de Tunja; Primer Premio Nacional de Pintura, Salón Nacional de Artistas en el Museo Nacional de Bogotá, en 1976; Premio Especial a la Trayectoria Artística, XXXV Salón Nacional de Artistas de Bogotá, en 1994; entre otras. 

Jorge Stever, ha expuesto de manera individual y en colectivas desde 1965 en Alemania, Holanda, Bélgica, Estados Unidos, Francia, Finlandia, India, México, Israel, Turquía, Suecia, Inglaterra, Dinamarca, Italia, Colombia, Suiza y Venezuela. Entre las distinciones que ha recibido a lo largo de su carrera artística figuran: Premio Nacional Kuratorium Unteilbares Deutschland –afiche político–, y el Premio Nacional de Pintura Nordrhein Westfalen, ambos en Alemania; Medalla de Oro de la III Trienal de Arte en Nueva Delhi, India; y Premio Armando Reverón otorgado por la Asociación Venezolana de Artistas Plásticos.

El público podrá apreciar la obra de estos dos artistas a través de la exposición "Santiago Cárdenas/Jorge Stever. Al límite de la pintura", que se estará presentando del 25 de abril al 24 de mayo, en la Galería Freites, ubicada en la Avenida Orinoco de Las Mercedes. El horario de exposición es de lunes a viernes de 9:00 a.m. a 1:00 p.m. y de 2:00 p.m. a 6:00 p.m.; los sábados de 10:00 a.m. a 2:00 p.m.; y los domingos de 11:00 a.m. a 2:00 p.m. La entrada es libre.

EXPOSICIÓN: "VISIÓN SEMANA SANTA" en la Casa de la Cultura Mons. Nicolás Eugenio Navarro de La Asunción

EXPOSICIÓN:

Agradecimiento: Lic. Desirée Depablos Sedes

Prensa y Comunicaciones

Foto: Cortesía

La muestra incluye obras de un grupo de artistas que hacen vida en el estado Nueva Esparta y se exhibirá en la Casa de la Cultura Mons. Nicolás Eugenio Navarro de La Asunción.

(Venezuela) El sábado 28 de marzo, el Instituto de Cultura y Patrimonio del municipio Arismendi, inauguró una exposición colectiva titulada “Visión Semana Santa”, en los espacios de la Casa de la Cultura Mons. Nicolás Eugenio Navarro de La Asunción, según informó el profesor Julio Villarroel presidente del Icpma.

La muestra, incluye piezas bidimensionales de un grupo de artistas que hacen vida en la isla de Margarita, entre ellos: Scarlett Arambula, Francisco Araujo, Leopold Cardozo, Lucía Gonmi, Daniel Guerra, Antonio Iannece, Yamilet Luigui, Nancy Morillo, Charles Narváez, Leopoldo Plaz, Adriana Uribe, y Ana María Zoghby.

La muestra se realiza gracias al apoyo de la Alcaldía del municipio Arismendi y el Icpma y permanecerá exhibida durante un mes de lunes a viernes de 9:00 am a 6:00 pm, en la casa de la Cultura Monseñor Eugenio Navarro de La Asunción.

           

EXPOSICIÓN: Pietro Daprano y José Vivenes protagonizan presentan sendas individuales en BEATRIZ GIL galería

en el mismo discurso

EXPOSICIÓN:

Agradecimiento. Lic. Marisela Montes

Fotos. Cortesía

(Venezuela) La fotografía y la pintura convivirán en los espacios de BEATRIZ GIL galería a través de dos muestras individuales, “Relatos Transversales. Pietro Daprano. Prefacios y epílogos” y “Cuerpos Oblicuos. Pinturas de José Vivenes. Anversos y reversos” que bajo la curaduría de Lorena González serán inauguradas el domingo 8 de marzo a las 11:00 a.m., y permanecerán abiertas al público hasta el 26 de abril.

la idea del otro, tema no suficiente explorado

“Narrativas Transversales. Pietro Daprano. Prefacios y epílogos” recibe al espectador en la Sala 1 de la galería, con varias series lúdicas de fotografías donde Pietro Daprano (Caracas, 1971) conjuga perfomance, puesta en escena, apropiación y fotografía, para “indagar en la imagen a través de la propia imagen, de-construyendo el espectro sociocultural mediante el engranaje de numerosos universos preposicionales: manejo de objetos, personajes, puestas en escena, testimonios, luces y estructuras documentales que solapa, trastoca y antepone sobre y desde el desarrollo de cada una de sus series”, según explica la curadora Lorena González.

Pietro  daprano Study Nr.188, Jesus Soto

Daprano, quien trabaja desde hace varios años en líneas de investigación cercanas a la tradición crítica de la fotografía de las últimas décadas, profundiza constantemente en las locaciones difusas de lo real y lo ficticio “con las cuales se desarrolla la copiosa cultura visual de la actualidad, pluralidad aparente de selfis y perfiles que navegan en las superficies de las redes sociales; reality shows, objetos publicitarios y concursos de talentos que rebosan en el imaginario mediático y que tan solo funcionan como coloridas cortinas de humo frente a las verdaderas debacles humanas, políticas y económicas de las sociedades actuales”, afirma la curadora.

Pietro Daprano study Nr.37, Doug Wheeler, Untitled  

En sus propuestas, “lo real constituye un prefacio que se manifiesta con una fuerza incontenible: contornos, objetos, poses, cuerpos, fachadas, esquinas, colores, situaciones y grietas de un día a día conocido, cercano, nuestro. Tan sólo un detalle inesperado surge paralelamente en algún recodo, en un gesto, en una mirada; y es con precisión ese punto de distorsión -epílogo de una imagen o de un axioma interrogado por el artista- la trinchera y el desplazamiento que se hace presente en su obra para agrietar nuestra percepción, convulsionando las verdades, mentiras, triunfos y debacles de esa familiaridad virtual con la que vivimos, en realidad, inconexos”.

Pietro Daprano Study Nr. 5, Jeff Koons

Por su parte, la muestra “Cuerpos Oblicuos. Pinturas de José Vívenes. Anversos y reversos” exhibe en la Sala 2, el más reciente trabajo de José Vivenes (Maturín, 1977) a través de una selección de pinturas donde éste ofrece su lectura sobre un conjunto de imágenes de prensa, fotografías que se han convertido en documentos trascendentales para la sociedad, y retratos de del acervo cultural universal.

Formalmente decidido a convertir a la pintura en un campo abierto de discusión teórica y de movilización intangible de la conciencia –según palabras de Lorena González– José Vivenes en esta ocasión deja a un lado las preocupaciones tradicionales de lo pictórico frente a la voluptuosa cadena de la representación fotográfica, y se sumerge en la veracidad propia del ícono, navegando a través del soterrado mundo que nos sobrepasa día a día.

“En diversas series profundiza estos recorridos. Retrato del retrato, imagen de la imagen, gesto del gesto, su trabajo actual plantea un traslado desde testimonios cruciales realizados por fotógrafos como Steve Mc Curry o los venezolanos Luis Brito, Nelson Garrido y Carlos Germán Rojas, junto a imágenes de sucesos en la prensa nacional o fotografías de obras pertenecientes a pintores como Leonardo da Vinci, Théodore Géricault, Arturo Michelena y Caravaggio, entre muchos otros”. 

Sin embargo, a juicio de la curadora, la captura pictórica del artista sobre estos referentes no está anclada a la reproducción solitaria o deshilvanada. “En la acción de Vivenes la mano y la mirada se han transformado en un lente de aproximación y distancia, un inquieto caleidoscopio donde detalles, colores, perspectivas, intenciones y humanidades son editadas desde lo macro y lo micro, generando una transferencia de conjuntos cambiantes, una narrativa infiltrada de lugares soterrados que de alguna manera parecen hablar el mismo idioma”. 

Por su parte el investigador y crítico en artes visuales Víctor Guedez acompaña la muestra del artista José Vivenes en los textos del catálogo, planteando una reafirmación de la pintura frente a la evolución conceptual, objetual y tecnológica en la plástica.

“Sin duda, el artista celebra la pintura a partir de la pintura y con la finalidad de subrayar la pintura. En el fondo lo que hace es afirmar, sin decir, que la pintura nunca muere porque siempre encuentra la opción de vivir de otra manera. Y la manera que encuentra resulta vitalizadora: él retoma figuras de los pintores del Renacimiento para replantear sus imágenes y para problematizar sus desafíos temperamentales y plásticos. Al revisitar y retomar los datos icónicos de pinturas pretéritas intenta mirar a través de otros, pero también asume el reto de vivenciar la existencia del otro y de experimentar sus particulares sensaciones”, expresa Guedez.

Las exposiciones “Narrativas Transversales. Pietro Daprano. Prefacios y epílogos”, y “Cuerpos Oblicuos. Pinturas de José Vivenes. Anversos y reversos” podrán ser visitadas del 8 de marzo al 26 de abril, en la sede de BEATRIZ GIL galería, ubicada en la Calle California con Calle Jalisco, en Las Mercedes; en horario de lunes a viernes de 10:00 a.m. a 7:00 p.m., sábados de 10:00 a.m. a 4:00 p.m., y domingos de 11:00 a.m. a 2:00 p.m. La entrada es libre.

EXPOSICIÓN: Galería D’Museo inicia su agenda 2015 con una colectiva de Arte Abstracto Venezolano

EXPOSICIÓN:

Agradecimiento. Lic. Zoraida Depablos

Fotos. Cortesía

(Venezuela) Con una colectiva que reúne obras de creadores venezolanos de distintas generaciones que han abordado el arte abstracto desde distintas perspectivas, dió inicio la Galería D’Museo a su programación del año 2015, en su sede ubicada en el Centro de Arte Los Galpones.

Un total de 20 piezas bidimensionales y tridimensionales integran esta muestra titulada Proposiciones Abstractas, que con la curaduría de Nicomedes Febres, ha sido concebida a partir del historial de Venezuela como uno de los países de América Latina con una larga y rica historia dentro del arte abstracto del continente, influido por la presencia mayoritaria del cinetismo como derivación del constructivismo, según se explica en el texto de presentación de dicha exhibición.

“Más allá de acudir a los orígenes de la abstracción en Venezuela y sus oficiantes mayores Soto y Cruz Diez junto a otros maestros del arte abstracto como Gego y Otero, las nuevas generaciones de artistas nacionales se han nutrido también de los avances de la tecnología, de los nuevos materiales y de los nuevos movimientos artísticos que se han ido incorporando en la historia universal del arte a partir de la revolución tecnológica y comunicacional”, afirma Febres.

En tal sentido, la muestra Proposiciones Abstractas incluye artistas de generaciones ulteriores, pero que pertenecen por méritos propios a la historia del arte nacional, según explica Nicomedes Febres. “Desde creadores que han heredado la investigación cuadricular como Eugenio Espinoza, Sigfredo Chacón o Rafael Barrios, a gente afín a expresiones cercanas al minimalismo como Clemencia Labin, J.J. Moros o Ana María Mazzei hasta las nuevas generaciones cuyo discurso abstracto denuncia la estética de los intentos que pretenden la destrucción de la modernidad como Alberto Cavalieri, Alí González, o Luis Salazar, el crecimiento caótico de la deteriorada vida urbana, o la reiteración de los códigos modernos a partir de nuevos medios y materiales como Juan Toro, Reymond Romero, Aureliano Parra o Flix”.

El público tendrá la oportunidad de apreciar esta exhibición de arte abstracto contemporáneo venezolano, desde el domingo 08 de febrero hasta el 15 de marzo, en la Galería D’Museo, ubicada en el Centro de Arte Los Galpones, Avenida Ávila con 8va transversal de Los Chorros. El horario de exposición es de martes a sábado, de 11:00 a.m. a 6:00 p.m., y los domingos de 11:00 a.m. a 4:00 p.m. La entrada es libre.

EXPOSICIÓN: El 15 de enero inaugura muestra de Oswaldo Vigas en Chile

EXPOSICIÓN:

Agradecimiento. Lic. Yajaira Núñez Gamboa / PRENSA Y RR.PP

Lic. Alejandro Celedón M. @AlejoCeledon

Fotos. Cortesía

Continuando su recorrido por el continente, la exposición antológica “Oswaldo Vigas 1943-2013”, una selección de las obras más importantes del artista venezolano, llega al Museo Nacional de Bellas Artes de Chile, ubicado en Santiago

(Venezuela) “Oswaldo Vigas 1943-2013”, una muestra compuesta por 70 pinturas y 6 esculturas que, bajo la curaduría de Bélgica Rodríguez representa una importante selección del trabajo del Maestro desde sus inicios hasta el 2013, inaugura este 15 de enero su exhibición en el Museo Nacional de Bellas Artes de Chile (MNBA), uno de los principales centros de difusión de las artes visuales de este país. 

La primera etapa de la muestra tuvo lugar en el Museo de Arte Contemporáneo de Lima (MAC), donde recibió una entusiasta acogida. “El MAC tiene la gran satisfacción de ofrecer esta muestra en homenaje a uno de los más destacados artistas del Continente” fueron las palabras de Alvaro Roca Rey, Director del Museo, en la ceremonia de apertura de la antológica que reunió gran cantidad de público. 

Después de su exhibición en Chile, del 15 de enero al 15 de marzo, continuará su recorrido por Bogotá, Buenos Aires, Sao Paulo, Río de Janeiro, Ciudad de Panamá, México DF y algunas ciudades de Estados Unidos.

La obra de Vigas se distingue, a lo largo de su desarrollo, por su profundo sentido de pertenencia al continente americano. Ello se expresa mediante imágenes de carácter cosmogónico que remiten tanto a la naturaleza (elementos minerales, vegetales y animales) como a la figura femenina, que vincula míticamente a la tierra y al origen de la vida. 

Vigas es uno de los artistas plásticos venezolanos más reconocidos en su país y en el exterior. Considerado pionero del arte latinoamericano junto a artistas como Szyszlo, Lam, Matta, Tamayo, o Guayasamín, su obra, realizada entre Francia y Venezuela, es una síntesis original entre las raíces culturales de Latinoamérica y las corrientes plásticas más actuales de la modernidad. 

"... Vibrante de color, tenso en la forma, barroco en la composición de equilibrio inestable, americano en las raíces que sustentan su inspiración, el arte de Oswaldo Vigas ocupa lugar insoslayable en la plástica de nuestro continente..." Rafael Squirru, Revista Opiniones Latinoamericanas. Buenos Aires, Argentina, Junio 1979. "Oswaldo Vigas y la pintura venezolana".

"...Oswaldo Vigas es uno de los verdaderos inventores del arte latinoamericano... Él es de aquellos que más han contribuido a mantener vivas "las tendencias culturales naturales de su continente, las cuales son −como él mismo las definió en el congreso de la AICA en Caracas− "de carácter prelógico, mágico, mitológico, antiracionalista" Jean Clarence Lambert. Catálogo de la exposición "Vigas de 1952 a 1993", en el Museo "La Monnaie de París. Octubre-Noviembre, 1993.

Vigas logra abarcar la pintura, la escultura, el grabado, la cerámica y la tapicería, con más de cien exposiciones individuales y otras muchas representaciones en numerosas colectivas, bienales y salones de renombre internacional. Durante su trayectoria ha sido merecedor, entre muchas recompensas, del Premio Nacional de Artes Plásticas de Venezuela, el Premio de la Gulf Caribbean Art Exhibition del Museo de Houston, Texas, y del Gran Premio de Arte Contemporáneo S.A.S. Prince Rainier III de Mónaco. En 1993 recibe la Médaille Vermeil de la Ville de Paris. En 2008 es nombrado Artista Consagrado por la Asociación Internacional de Críticos de Arte (AICA), y Francia lo hace merecedor de la máxima distinción de Commandeur de l’Ordre des Arts et des Lettres. Desde el año 2012 es Miembro de Mérito de la Fundación Carlos III de España. 

Breve biografía

Oswaldo Vigas nace el 4 de agosto de 1923 en Valencia, estado Carabobo, Venezuela, y desde muy joven muestra interés por el arte. En 1942 obtiene su primer reconocimiento con el Premio a la Mejor Ilustración en el Primer Salón de Poemas Ilustrados, Ateneo de Valencia, y un año después gana la Medalla de Honor en el Primer Salón Arturo Michelena, uno de los espacios más importantes de la confrontación artística en el país. En 1945 ingresa en la Facultad de Medicina, Universidad de los Andes, Mérida, estudios que culmina en la Universidad Central de Venezuela, Caracas, en 1951, pero que ejercerá por muy poco tiempo. Para 1949 se incorpora al grupo de artistas e intelectuales que conforman el Taller Libre de Arte de Caracas donde funda, junto con el pintor Alirio Oramas, la revista Taller. En compañía de algunos colegas artistas y amigos del Taller Libre de Arte, visita al pintor Armando Reverón. 

1952 es uno de los años decisivos en su vida. En esta fecha recibe el Premio Nacional de las Artes Plásticas y el Premio John Boulton en el XIII Salón Oficial Anual de Arte Venezolano organizado por el Museo de Bellas Artes de Caracas y obtiene el Premio Arturo Michelena en el X Salón Ateneo de Valencia. Vigas cobra notoriedad después de la exposición Oswaldo Vigas: Retrospectiva 1946-1952 llevada a cabo en el Museo Bellas Artes, muy comentada y discutida en los medios locales debido a la controversia que produce su serie Las brujas. Esta encendida discusión acerca de su trabajo lo convierte en el artista plástico más polémico de ese momento en Venezuela. A finales de ese año se instala en París e ingresa en L’Ecole des Beaux Arts, donde asiste a los talleres de grabado y litografía de Marcel Jaudon y de Stanley William Hayter, además de realizar cursos libres en La Sorbona.

Su vida en Francia

Estando en Francia es invitado a participar con cinco murales en el Proyecto de Integración de las Artes que concibe el arquitecto Carlos Raúl Villanueva con motivo de la construcción de la Ciudad Universitaria de Caracas, declarada Patrimonio Cultural de la Humanidad (2000) por la UNESCO. Esto marca un momento muy importante en el arte a nivel nacional, pues en este proyecto intervienen artistas venezolanos e internacionales del renombre de Fernand Léger, Victor Vassarely, Jean Arp, Antoine Pevsner, Baltasar Lobo y Alexander Calder, entre otros.

Desde 1953 a 1957 concurre a numerosas colectivas a nivel internacional. En 1953 asiste a la II Bienal de São Paulo, Brasil, y en Francia al IX Salon de Mai, Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, Salon Réalités Nouvelles y Donner à voir. , entre los artistas invitados figuraron: Jean Arp, Chagall, Dayez, Delvaux, Giacometti, Gilioli, Lam, Laurens, Magritte, Manessier, Mathieu, Matisse, Matta, Max Ernst, Riopelle, Schneider, Singier, etc. 

Se sigue presentando en el Salón los años siguientes hasta 1957 donde participa del homenaje a Brancusi en el “XIII Salón de Mai”, junto a Bryen, Leonor Fini, Herbin, Rebeyrolle, Tapies, etc. En 1961 vuelve al “XVII Salón de Mai” esta vez junto a Francis Bacon, Enrico Baj, Capogrossi, Charchoune, Marta Colvin, Agustín Fernández, Sam Francis, Hundertwasser, Ipousteguy, John Levée, André Masson, John Mit­chell, Louise Nevelson, Irving Petlin, Pettoruti, Antonio Saura, Tajiri, Tamayo, Mark Tobey, Zañartu, Zao Wou-ki, etc.

En agosto de 1955 Oswaldo Vigas tiene la oportunidad de conocer a Pablo Picasso en su casa "La Cali­fornie" en Cannes, presentado por su amigo el pianista venezolano Humberto Castillo Suárez, muy cercano al Maestro.

Junto con un grupo de críticos franceses, en particular Jean-Clarence Lambert, Raoul-Jean Moulin y José Augusto França, y un comité organizador integrado por Agustín Cárdenas, Wifredo Lam y Roberto Matta organiza la primera exposición del Arte Latinoamericano en París en 1962.

En esa ciudad bullente de principios de los años 60, epicentro de la movida plástica mundial, convergían en los cafés diferentes artistas latinoamericanos. Se gestaban tertulias en el barrio latino en las que Oswaldo Vigas estrechó relaciones con Wifredo Lam, Roberto Matta, Antonio Berni, Agustín Cárdenas, Fernando de Szyszlo y muchos otros artistas latinoamericanos.

Vigas en Latinoamérica

En 1964 Vigas regresa a Venezuela con Janine, su esposa, y fija su residencia en la ciudad de Mérida. Al año siguiente es nombrado Director de Cultura de la Universidad de Los Andes y donde continúa produciendo su obra pictórica. En 1956 acude a la Bienal Internacional de Pintura y Grabado Palacio de Bellas Artes, México DF. En 1966 participa de la exposición internacional Grabadores latinoamericanos, Montevideo, Uruguay. En 1970 regresa con su familia a Caracas y promueve la creación del grupo de artistas Presencia 70. En 1971 es nombrado Director de la División de Artes del Instituto Nacional de Cultura y Bellas Artes (INCIBA), cargo al que renunciará un año después por desacuerdo con el Presidente del Organismo. En 1975 participa en Veinte pintores latinoamericanos, Galería Siglo XX, Quito, Ecuador, donde comparte entre otros con Fernando de Szyszlo, y en Panorama de la pintura venezolana, 113 obras de los siglos XIX y XX, Casa de Las Américas, La Habana, Cuba. En 1977 muestra Oswaldo Vigas, imagen de una identidad expresiva, Museo de Arte Italiano de Lima, Perú. En 1978 Vigas y Szyszlo exponen de nuevo con motivo del aniversario de la Galería Forum en Lima. En 1980 acude a la II Bienal Iberoamericana de Arte, Dibujo y Grabado, Instituto Cultural Pedro Domecq, México. Ese mismo año es invitado por el Taller de Artistas Gráficos Asociados (TAGA) a participar en una colectiva itinerante por Argentina, Brasil, Colombia, Costa Rica, Ecuador, México, Nicaragua y Perú. 

En 1986 es convidado por el Presidente Belisario Betancur, quien reúne a los principales artistas latinoamericanos para la apertura del Museo de Santa Marta. Allí se reencuentra con sus colegas Fernando de Szyszlo, Alejandro Obregón y Oswaldo Viteri. Ese mismo año participa en Pintores contemporáneos, Galería Acquavella, Caracas, y en el Certamen Internacional de Artes Plásticas, Ancón, Perú. En 1992 es invitado al XXVI Premio Internacional de Arte Contemporáneo de Monte Carlo, donde por unanimidad le otorgan el Gran Premio Prince Rainier, que recibe de manos de la princesa Carolina de Mónaco. Repite esta visita en 1995.

En 2012 Oswaldo Vigas es elegido como representante de su país natal para el Bicentenario de la Constitución del Tribunal Supremo del Reino de España, al que fueron invitados artistas representantes de todos los países iberoamericanos. 

Oswaldo Vigas participa en subastas de Grandes Maestros del Arte Latinoamericano celebradas en las famosas casas SOTHEBY´S y CHRISTIE´S de Nueva York, donde se ve un notable incremento en el valor de las obras vendidas. Una demostración más de la fuerte penetración en los mercados internacionales del maestro Vigas.

Vigas siguió ejerciendo su actividad plástica sin cesar hasta el día de su muerte, acaecida el 22 de abril de 2014. En la actualidad, la Fundación Oswaldo Vigas, creada en vida del maestro, trabaja en la edición de una publicación antológica que recoge gran parte de su prolífica producción.